la chika bataka

Adams, Ansel

(*1902 a 1984 San Francisco). A los 14 años comenzó a fotografiar paisaje y tras su formación como pianista se dedicó en 1930 a la fotografía.  Promocionado por Alfred - Stieglitz, se convirtió en uno de los principales fotógrafos paisajistas de EE.UU. Le interesaba especialmente la representación del hombre en la naturaleza, su relación con ella. En 1932 fue cofundador del grupo de fotógrafos F/64. En 1940 se comprometió a colaborar en el museo de Arte Moderno de Nueva York para montar su departamento de fotografía, que por entonces ya había adquirido fama universal. En 1946 Adams fundó el departamento de "fotografía profesional" en la California School of Fine Arts. Adams es autor de libros didácticos de fotografía y libros ilustrados de gran éxito.

Publicaciones: This is the American Earth. 1960. (ed.  Nancy Newhall) - Death Valley and the Creek called Furnace. 1962 (ed.  Edwin Corle) - Artivical-light photography. 1971-Natural likht photography. 1971-Images 1923-1947. 1975 Photographs of the Southwest. 1976.    

Albert, Joseph

(*1825 Munich, a 1886). Aprendió con el conocido fotógrafo de Munich, Alois Locherer y fue después fotógrafo de la corte de los reyes de Baviera, Maximiliano II y Luis II. Albert se dio a conocer por sus mejoras de la técnica del fotograbado. Tuvo sus primeros éxitos en este campo hacia 1868. En 1874 logró las primeras impresiones en tricromía. Estos trabajos especiales se conocieron como albertipos, calotipos o heliotipos.

Bibliografía:  Winfried Ranke, J.A. Hoffotograf der Bayerischen Konige. 1977.

 

Anschütz, Ottomar

(* 1846 Lissa bei Posen, 1907 Berlín). Cursó estudios de pintura decorativa y a continuación se formó como fotógrafo. Estudió en Berlín, Munich (con Hanfstaengl) y Viena. Anschütz abrió en 1868 un estudio fotográfico en Lissa.  Pero su principal mérito fotográfico está en el análisis de movimientos. Igual que - Muybridge, alineó un gran número de cámaras para captar en distintas fases los movimientos de hombres y animales.  En 1887-1891 construyó el taquiscopio Anschütz, de tracción eléctrica: se fijaban imágenes de fases (diapositivas de vidrio) sobre una placa giratoria, que se iluminaban por transparencia a oscuras en secuencia rápida. El resultado eran imágenes en movimiento. En colaboración con Siemens & Halske, de Berlín, se construyeron y vendieron 80 de tales electrotaquiscopios, precursores del cinematógrafo. Los aparatos se exponían en ferias anuales y funcionaban con una moneda.

Arbus, Diane

(*1923 a 1971 Nueva York). Se formó como fotógrafo de modas. Pero se dio a conocer con sus tomas de grupos marginados, representaciones de carácter crítico de los individuos infraprivilegiados de la sociedad. En 1967 causó una expectación considerable con sus fotos, en parte impresionantes, en la exposición "New Documents" en el museo de Arte Moderno de Nueva York. De 1970 a 1971 Diane Arbus enseñó en la Rhode Island School of Design. Unas amplias exposiciones, rnontadas tras su suicidio en 1971 en el museo de Arte Moderno y en la "Bienal de Venecia", mostraron la gran importancia de la obra fotográfica que dejó tras sí.

Bibliografía: Doon Arbus y Marvin Israel, D.A. 1972-Catálogo D.A. Stedelijk van Abbe-Museum, Eindhoven. 1975.

Atget, Jean Eugéne

(* 1856 Libourne, a 1927 París). Primero fue marino de profesión. En 1877-1880 estudió en el conservatorio de París (música, teatro). Tras el fracaso de su carrera como actor, probó de paso como pintor. Fue en 1898, a los 42 años, cuando se hizo fotógrafo en París. Pertenecían a su clientela pintores parisinos, a los que proporcionaba fotos, con las que pintaban.  Así, sus motivos influyeron sobre pintores como Utrillo, Derain, Vlaminck y Kisling. En 1899 logró vender a la biblioteca Histórica de París algunas de sus fotos de la ciudad, lo que le animó a proseguir este camino.  En la época subsiguiente hizo numerosas series sobre París.  Fotografió sistemáticamente el casco antiguo, sobre todo casas y barrios amenazados de ruina. Pero fue en 1930, mucho después de su muerte, cuando se publicaron en París, Leipzig y Nueva York sus series, que le hicieron finalmente famoso. La historia de la fotografía tiene a Atget como padre de la documentación fotográfica social. De él se han conservado más de 5000 negativos y unas 10 000 fotos suyas se encuentran en colecciones americanas.

Bibliografía: Bernice Abbott, The World of A. 1964-E.A. Lichtbilder. 1975 (ed.  Bernice Abbott) Jean Leroy, A. Magicien du vieux Paris en son époque. 1976.

Bayer, Herbert

(*1900 Stadt Haag/Austria). Estudiante de la Bauhaus en Weimar y después profesor de tipografía en la Bauhaus de Dessau. Se dedicó además a la pintura, el grafismo y la fotografía. Bayer adoptó la técnica del fotomontaje y el collage en el grafismo libre aplicado. En 1928 trabajó en Berlín, se hizo director artístico de la revista "Vogue", colaboró en la revista "die neue linie" y fue finalmente director del estudio de publicidad Doriand.  De 1938 a 1945 Bayer trabajó en Nueva York como asesor publicitario para industrias, editoriales y agencias publicitarias. En 1946 se trasladó a Aspen. Desde entonces trabaja allí como artista y diseñador reconocido. Como grafista y pintor, Bayer ha seguido hasta hoy la línea constructivista. Son innumerables las exposiciones que inspiró y organizó (entre ellas muchas con obras propias).

Publicación: H.B. Das Werk des Künstlers ín Europa und USA. 1967.

Bayard, Hippolyte

(*1801 Breteuil-sous-Noye, a 1887 Nemours). Como funcionario del ministerio francés de finanzas, Bayard se dedicó en su tiempo libre a experimentos fotográficos (desde 1837), cuyos resultados eran fotos negativas en papel.  Incitado por los éxitos de Daguerre, desarrolló en 1839 un procedimiento directo para hacer fotos positivas en papel mediante cloruro de plata. Dos meses antes de la publicación del procedimiento del daguerrotipo, hecha por el astrónomo Frangois Aragot, de la cámara de diputados de Francia (1839), Bayard se presentó al público con una exposición de fotografías. Pero los éxitos de Daguerre hicieron sombra a sus trabajos, que no se tuvieron casi en cuenta.

Bibliografía:  André Jammes, H.B. Ein verkannter Erfinder und Meister  der photographie. 1975.

Beaton, Sir Cecil

(*1904 Londres). Sir Beaton estudió a los 18 años arte y teatro en Harrow y Cambridge. Además era fotógrafo aficionado. Hizo extravagantes retratos de familiares y colegas, que le hicieron rápidamente conocido. Así se convirtió, ya en 1928, en fotógrafo estelar de la revista "Vogue".  Beaton se hizo pronto un nombre como retratista de la high society y en 1938 ascendió a fotógrafo de corte de la casa real.  Siempre consideró la fotografía como afición, y para componer sus tomas se sirvió de la experiencia adquirida como escenógrafo y figurinista. El amor al detalle, el esmero en la inclusión del decorado atmosférico, son típicos de su estilo fotográfico.

Bibliografía:  Charles Spencer, C.B. Stage and Film Designs. 1975.

Biermann, Aenne

(*1898 Jena, a 1933). Primero estudió música y se hizo pianista. A la vez aprendió a fotografiar en forma autodidacta. En los años 20 se dio a conocer por sus retratos, por fotos inusitadas de reflejos luminosos y de motivos naturales y macroscópicos. Se la considera representante destacada de la nueva objetividad. Franz Roh publicó sus mejores fotos en 1930 en un libro ilustrado de la colección "Samnliung Photothek".

Bischof, Werner

(*1916 Zurich, a 1954 Perú). Primero se interesó por la pintura y luego quiso ser profesor de deportes y de dibujo. Pasó en 1932 a la Kunstge werbeschule de Zurich, donde frecuentó el curso básico y la clase de fotografía de Hans - Finsler. A partir de 1936 trabajó como fotógrafo liberal y grafista y en 1942 se hizo colaborador y finalmente fotógrafo jefe de la revista "DU". Sus reportajes sobre ciudades en ruinas de la segunda guerra mundial se convirtieron en las más importantes documentaciones de actualidad. Bischof fue uno de los primeros que viajaron tras la guerra a las regiones subdesarrolladas: India, Corea, Sudamérica. Sus reportajes aparecieron en "Life", "Fortune", "Picture Post" y "Observer".  En 1949 se adhirió al grupo Magnum. Murió en 1954 en accidente de coche durante un viaje por los Andes.

Publicación: Japón-1957.

Bibliografía: Manuel Gasser, Fotos von W.B. 1959. Flüeler, W.B. 1973 Burri. W.B. 1916-1954. 1974.

 Blossfeld, Karl

(*1865 Schielo, a 1932 Berlín) Blossfeld estudió tres años como modelista en un taller de vaciado artístico. En 1884 comenzó a estudiar pintura, modelado y música en la Kunstge werbeschule de Berlín. En sus viajes por Grecia e Italia se dedicó a recolectar y preparar plantas, que también fotografió. En 1898 le nombraron "profesor de modelado de plantas de] natural" en la sección didáctica del Kunstge werbemuseum de Berlín. Fue en 1900 cuando Blossfeld comenzó a fotografiar plantas de un modo sistemático. Captaba sobre todo detalles vegetales, en gran número Y con enorme rigor formal y precisión. Veía en estos detalles protoformas artísticas, que empleó como modelos en sus clases de arte y para ilustrar libros especializados. Históricamente sus fotos se adscriben a la nueva objetividad.

Publicaciones:         Urformen der Kunst. 1928 Wundergarten der Natur. 1932     Wunder in dernatur. 1942 póstuma        (ed. Dannenberg).

Bourke-White, Margaret

(*1904 Nueva York, a1971 Connecticut). Estudió fotografía en 1921-1927. Desde 1934 trabajó como redactora gráfica en la revista "Fortune". Se hizo conocida con numerosos reportajes políticos e industriales. Al fundarse "Life" entró en la redacción de esta revista, a la que perteneció hasta su muerte. Durante la guerra actuó, entre otras cosas, como corresponsal. Junto a sus reportajes, considerados muy masculinos, publicó varios libros.

Publicaciones: Eyes on Rusia, 1931-You Have Seen Their Faces. 1939 (ed. Caldwell)-Portrait of Myself 1963.Bibliografía:  Callahan, The Photographs of M.B.-W. 1972.  

Bragaglia, Anton G.

(*1890 Frosinone, t 1960 Roma). Trabajó como escritor, director de cine y teatro y fotógrafo. Representante importante del futurismo italiano.  Bragaglia intentó incluir la dinámica del movimiento en sus obras y para ello se sirvió de la fotografía. Publicó en 1913 sus ideas en Turín en el manifiesto del fotodinamismo futurista.

Bibliografía:  Malerei und Photographie im Dialog. Catálogo. Zurich 1977.

(*1905 Londres). Bill Brandt aprendió a fotografiar con Man - Ray en París (1929) y abrió allí un estudio fotográfico. Poco después se hizo periodista gráfico. Antecesores:, Cartier-Bresson y  Brassai'. En 1931 marchó a Londres como fotógrafo liberal, donde se dio a conocer con sus reportajes sobre centros industriales del norte de Inglaterra. Exhibió con gran éxito estas fotos en una exposición única en París. También se creó pronto un nombre como fotógrafo retratista y de paisajes. En el campo de la moderna fotografía de desnudos fue conocido por originales estudios de detalles, imitados después con frecuencia.

Publicaciones:         The English at Home. 1936-A Night in London. 1938-Camera in London. 1948 Literary Britain. 1951-Perspectíves of nudes. 1961-Early Photographers. 1975.

Brassai

(en realidad Gyula Halász; *1899 Brasso/Hungría). Comenzó su carrera con un estudio de arte en Budapest y Berlín. Pero en vez de pintor se hizo periodista (París 1924). Desde 1930 concentró su trabajo en el periodismo gráfico. Se dio a conocer finalmente a un gran público por acres fotos nocturnas de París. Se le considera como un maestro de la fotografía inadvertida y con luz ambiental.

Publicaciones:         Paris de Nuit. 1933-Camera in Paris. 1949-Das geheime Paris. 1976-Brassai1976.

Burchartz, Max

(*1887 Wuppertal, a 1961). Estudió en la Kunstakademie de Dusseldorf y después en 1919 e, Weimar. Burchartz tuvo estrechos contactos con el grupo De Stijl y con la Bauhaus. En 1926 fue nombrado profesor de grafismo y fotografía en la Folkwangschule de Essen.

Publicaciones: Matrosen, Soldaten, Kameraden-ein Bilderbuch von der Reichsmarine. 1933-Gleichnis der Harmonie. Gesetz und Gestaltung der bildenden Kunste. 1955.

Cameron, Julia Margaret

(*1815 Calcuta, t 1879 Ceilán).  Vivió desde 1818 en Francia y residió definitivamente en Londres desde 1848.  Comenzó a fotografiar hacia 1863 (a los 48 años).  Retrató a contemporáneos famosos Y personalidades de su círculo de amigos (entre otros, lord Tennysson, Robert Browning, George F. Watts, Thomas Carlyle, Charles Darwin, etc.) Su retrato más famoso es el de sir John Herschel (1867).  Como algunos de sus coetáneos, la fotógrafa cultivó el estilo prerrafaelista.  Fotografiaba con cámaras de formato grande y lentes difusoras.  Exposiciones: 1865-1870 en Colnaghis, French Gallery y German Gallery, Londres.  Pasó los últimos años de su vida en Ceilán.

Bibliografía:  Powell, Famous men and women. 1972 - Hill, J.M.C.: a Victorian family portrait. 1973 The Cameron Collection. 1975 Gernsheim, J.M.C. Her Life and photographic work. 1975. - Ovenden, A victorian álbum. 1975.

Capa, Robert

(en realidad André Friedmann; *1913 Budapest, t 1954 Indochina).  Después de estudiar en la Universidad de Berlín (1931), Capa trabajó como asistente de cine.  En 1933 emigró a París.  Participó como corresponsal de guerra en 1936 en la guerra civil española, donde hizo, entre otras, su foto más famosa: Muerte de un soldado republicano. En la segunda guerra mundial volvió a trabajar como corresponsal de guerra para la revista "Life", para la que fotografió la invasión de los americanos en Normandía.  Capa perteneció a los fundadores del grupo Magnum en Nueva York (1947).  Siguieron reportajes en Israel (guerra palestina) e Indochina.

Bibliografía:  Cornell Capa y Karia, R.C. 1913-1954. 1974.

Cartier-Bresson, Henri

(*1908 Chanteloup).  Primero quiso ser pintor y estudió en 1927-1928

con André Lhote.  Primeras fotografías y películas con Jean Renoir (1937/1938).  Durante la guerra fue periodista de cine y fotografía de la Armada francesa.  En el campo del reportaje marcó un estilo individual inconfundible, que influyó mucho en el periodismo internacional.  Después de su primera gran exposición en el museo de Arte Moderno de Nueva York (1946), fundó en 1947 con Robert - Capa, David Seymour y Georges Rodger el grupo Magnum.  Desde entonces trabaja para todas las grandes revistas del mundo.  Numerosas exposiciones con fotografías y dibujos en Nueva York, París y Zurich.

Publicaciones:         Images d la sauvette. 1952 - Les Européens. 1955 Dune Chine á l'autre. 1955 - Photographies. 1963 - Sowietunion. 1973 - Images of man 214: H.C.-B. 1975.  

Catala Roca, Francesec

(*1922 Valls Tarragona), A los trece años empezó a trabajar en el estudio fotográfico de su padre, Pere Catalá Pic.  En 1947 abrió su propio estudio para trabajar en el campo de la fotografía industrial y de ilustración. En 1951 y en 1952 ganó los Premios Ciudad de Barcelona en sus convocatorias de fotografía y cinematografía, respectivamente. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Sala Caralt de Barcelona en 1953, repetida al año siguiente en la Galería Nebli de Madrid. Colaboró asiduamente con el semanario "Revista" iniciado en 1953 y con los arquitectos del "Grup R". Se han publicado más de treinta libros ilustrados monográficamente con sus fotografías, abarcando desde el paisaje natural y urbano hasta la documentación artística y etnográfica.

Ignacio López Bocanegra nació en Tampico, Tamaulipas en 1923. Estudió secundaria y preparatoria en la Escuela Modelo. Se trasladó a la ciudad de México en 1944, en donde inició sus primeros estudios y trabajos en el ámbito del cine y la fotografía. Decidido a aprender cinematografía, solicitó su incorporación como ayudante de camarógrafo en la Unión de Trabajadores de Estudios Cinematográficos. Trabajó como extra y ayudante de Kenneth Ritcher. En 1945 inició sus estudios en el Instituto de Artes y Ciencias Cinematográficas de México.

Por invitación de Víctor de Palma, fotógrafo de la revista Life, trabajó como asistente y laboratorista en el Estudio Fotográfico D'Palma. Fue maestro de técnica fotográfica en la Escuela de Periodismo en la Universidad Central de Caracas. Inició su conocida etapa como fotorreportero en los años cincuenta. Hizo un registro importante de ensayos, clases y funciones de grupos de danza contemporánea.

Chargesheimer

(*1924 a 1972 Colonia). Artista polifacético, escenificó óperas y obras de teatro, proyectó escenografías y vestuarios, pintó y fotografió. Desde 1955 fotógrafo liberal. Fue conocido como fotógrafo de retratos, teatro y ciudades. Produjo además libros ilustrados que merecieron gran atención.

Publicaciones:        Cologne Intime. 1957-Im Ruhrgebiet. 1958-Romanik am Rhein. 1959-Zwischenbilanz. 1961-Theater, 1967 junto con Walser-Kóln 5 Uhr30. 1970.

Coburn, Alvin Langdon

(*1882 Boston, a 1966 North Wales). Tras un viaje por Europa en 1900 hizo su primera exposición en el London Salen, que tuvo gran éxito. En 1902 fue cofundador de la Photo-secession en Nueva York, Primero trabajó como fotógrafo retratista.  Luego se volvió hacia las culturas orientales, a la ciencia de las religiones comparadas.  En 1906 se trasladó a Gales (Inglaterra).  Tuvo amistad con G.B. Shaw. A través de Ezra Pound contactó con el verticismo, variante inglesa del cubismo/futurismo. Después hizo abstracciones fotográficas, las llamadas vortographs (1917). Eran composiciones geométricas, hechas mediante un sistema de espejos de tres elementos.

Publicaciones: Novels and Tales. 1909 -New York. 1910 - London. 1914 - Men of Mark. 1913 - More Men of Mark. 1922. 

Cornelius, Peter

(*1913 a 1970 Kiel). Comenzó a fotografiar durante sus estudios universitarios y luego cursó enseñanzas de fotografía. Desde 1936 hizo fotografía industrial con Paul - Wolff. Se dirigió poco a poco hacia las tareas periodísticas.  Desde 1956 se dedicó a la fotografía en color de pequeño formato. Se hizo conocido por la original composición cromática de sus fotos, que era muy dinámica (con tendencia impresionista).  Fue uno de los pioneros fotógrafos, que advirtió la composición intencionada del contraste definido-indefinido como medio destacado de composición cromático.

Cunningham, Imogen

(*188S Pórtland/Oregón, t 1976).  Comenzó a fotografiar en 1901, estimulado por Gertrude - Kaesebier.  Estudios y promoción (química) en la University of Washington.  A continuación: estudios en la escuela técnica superior de Dresde.  En 1910 la fotógrafa regresó a Seattle y abrió un estudio de retrato.  Primero trabajó al estilo de los pictorialistas, pero luego se volvió hacia la nueva objetividad, a la fotografía directa.  A mediados de los 20 hizo una colección de fotos sobre flores y plantas, que se exhibió en 1929 en la exposición internacional "Film und Foto-Stuttgart 1929".  Imogen Cunningham fue cofundadora del grupo de fotógrafos americanos F/64. Fotografió además muchos reportajes para grandes revistas europeas y americanas. En 1973 la San Francisco Art Commission la nombró "Artista del año"

Publicación: I.C., Photographs 1910 - 1973. 1974. (ed.  Mann).

Daguerre, Louis Jaeques Mandé

(*1787 Cormeilles-en-Paris, a 1851 Bry-sur-Marne).  Estudió arquitectura, luego se hizo pintor y escenógrafo en París.  En 1826 tuvo los primeros contactos con - Niépce. En 1829 se asoció con él en los ensayos para mejorar la heliografía que practicaba.  En 1835 descubrió la imagen latente y reveló una placa expuesta con vapores de mercurio.  En 1837 descubrió el método adecuado de fijado con una simple solución de sal común.  En los dos años siguientes perfeccionó el método descubierto.  Bajo el patronato de Arago, físico y astrónomo, el procedimiento fotográfico de Daguerre, que se llamó daguerrotipo, por su inventor, fue comprado por el estado francés y entregado al uso público libre y universal (Academia de las ciencias, 19 agosto 1839).

Bibliografía:  L.J.M.D..- A historical and describe account of the daguerreotype and the diorama. 1971 Claudel, The Daguerrotype Process. 1973.

Delamotte, Philip Henry

(*1820 a 1889 Londres). Artista y profesor de dibujo en la universidad de Londres. Comenzó su carrera fotográfica en los años 40 con la confección de calotipos. Delamotte organizó en 1857 la sección fotográfica de la Manchester Art Treasures Exhibition, la primera exposición artística de la historia, en la que se exhibió fotografía al mismo nivel que otras obras tradicionales de las artes figurativas

Demachy, Robert

(*1859 a 1938).  Banquero francés, pintor aficionado y fotógrafo.  Perfeccionó hacia 1894 la técnica de la impresión a la goma.  Trató los negativos con tiza de color, para lograr efectos impresionistas.  Fundó el Photo-Club de París, fue miembro del Linked Ring y se le considera uno de los más importantes representantes y promotores de la fotografía artística en Francia.

Publicaciones:         Photo-Aquatint or The Gum-Bichromate Process. 1897 (ed.  Maskell) - Puyo, Les procédés d' Art. en photographie. 1906 R.D. - Photographs and essays. 1974 (ed.  Jay).

Disdéri, André Adolphe Eugéne

(* 1 819 París a 1890 Niza). Pintor francés de la corte y fotógrafo profesional. En 1854 patentó una cámara de óptica múltiple, con la que se podían fotografiar sobre una placa ocho pequeños retratos, lo que racionalizó la confección de los mismos. Estas tarjetas de visita baratas se pusieron de moda en 1859, después de que Napoleón III se dejara retratar por Disdéri a este formato. Las "cartes de visite" se vendieron finalmente como fotos de colección e intercambios y proporcionaron a Disdéri una gran fortuna. Fundó en Londres, Toulon y Madrid otros tantos estudios, pero perdió su fortuna con relativa rapidez y murió en una casa de beneficencia en Niza.

Duchamp, Marcel

(* 1 887 Blainville en Rouen, a 1968 París). Pintor de importancia e inventor del ready-made (1919). Representante del dadaísmo y del subrealismo. Llamó la atención, entre otras cosas, por la inclusión de elementos fotográficos en su pintura (efecto estroboscópico). Hacia 1912 comenzó a fotografiar él mismo con cierto éxito.

Misonne, Léonard

(*1870 Gilly/Bélgica, a 1943). Comenzó a fotografiar en 1891, durante sus estudios en Lówen, e ingresó en un club de aficionados. En 1898 se hizo fotógrafo profesional y tuvo su primer éxito con una exposición de paisajes en Bruselas. Con gran habilidad desarrolló un estilo fotográfico muy personal,E que incluía marcadamente la representación de la luz y la atmósfera (paisajes de niebla y lluvia). Utilizaba filtros construidos por él, para lograr una difusión muy determinada, característica de la fotografía artística de principios de siglo. Misonne practicó primero la impresión al carbón y luego la oleografía. Más tarde desarrolló su propia técnica de copia, el llamado procedimiento mediobrom.

Bibliografía:  Schwabik, Ein Fotograf aus Belgien 1870-1943. 1976.

(*1895 Borsod/Hungría, a 1946 Chicago). Estudió derecho y luego pintura. En 1923 llegó a la Bauhaus en Weimar, donde fue director del curso preparatorio y del taller de metales. En 1928 trabajó como escenógrafo en Berlín.  Hasta su emigración a Londres en 1935, se dedicó de un modo continuo a investigaciones sobre la luz y el color, con nuevas posibilidades expresivas del constructivismo. Fue maestro del fotomontaje, el montaje lumínico, la fotoescultura y el collage y abrió muchas vías en este campo. En 1937 fue cofundador de la New Bauhaus en Chicago (más tarde School of Design), donde enseñó hasta su muerte.

Bibliografía:  L.M. -N., Malerei, Fotografie, Film.  "Bauhaus Buch" n'. 8.1967 - L.M. -N. 1974 - Photographs of 1975 - Rondolina, L.M. -N., Pintura, fotografía, film, 1975.

(*1830 Kingston/Inglaterra, a 1904 Kingston). Emigró en 1852 a América y allí trabajó primero como librero e ilustrador. Comenzó a fotografiar hacia 1860, sobre todo paisajes en el Oeste americano. Se dio a conocer al emprender sus estudios fotográficos del movimiento de personas y animales (aproximadamente, a partir de 1878). Alineó 24 cámaras, separadas a cortas distancias, que mediante un refinado mecanismo las disparaba el mismo objeto móvil (por ejemplo, un caballo al galope). Así se producían series de fotos en las que estaban representadas las fases sucesivas de un movimiento rápido. En 1879 desarrolló en Filadelfia el zoopraxiscopio, para proyectar en sucesión rápida sus imágenes de fases. Se consideran estos aparatos como precursores inmediatos de la cinematografía. En 1887 apareció en 11 tomos con 781 series de fotos su obra histórica Animal Locomotion.

Bibliografía:  Animal Locomotion: the Muybridge work at the University of Pennsylvania. 1973 Mac Donnell, E.M. Der Mann, der die Bilder laufen liess. 1973 - Haase, Muybridge.  Man in motion. 1976.

Nadar, Paul

(*1856 a 1939 París).  Hijo de Gaspar Félix Nadar.  Hizo en 1886 la primera entrevista fotográfica.  Mientras el padre de Nadar hacía preguntas al científico M.E. Chevreul, el hijo tomaba toda una serie de vivas fotografías del entrevistado. Esta serie se hizo con motivo del 100 cumpleaños de M.E. Chevreul y se publicó en "Le journal Ilustré".

Nadar

(en realidad Gaspard Félix Tournachon; *1820 Lyon, t 1910 París).  Estudió medicina en Lyon y a continuación (1842) se trasladó a París y trabajó corno periodista y caricaturista.  Comenzó a fotografiar en 1849 y abrió en 1853 un estudio fotográfico, que se convirtió en punto de reunión de la élite artística de París.  Sus retratos, a diferencia del estilo estático habitual de entonces, son de una naturalidad sorprendente.  En 1858 hizo las primeras fotografías aéreas de París desde un globo y de 1860 a 1861 fotos de la canalización y las catacumbas de París, para lo que empleó iluminación de magnesio.  En su estudio tuvo lugar en 1874 la primera exposición de los impresionistas.  En 1891 fundó la revista "Paris Photograph".  Aparte de como fotógrafo, fue conocido como autor de ensayos y novelas satíricas.

Bibliografía: Nadar. 1977.

Natterer, Johann

(*1821 Viena, a 1900).  Estudió medicina.  Trabajó en fotografía y química fotográfica con su hermano Joseph.  En 1840 los hermanos descubrieron y mejoraron una mezcla de bromo, cloro y iodo, con la que pudieron aumentar notablemente la sensibilidad de las placas fotográficas.  Lograron por vez primera hacer daguerrotipos de escenas callejeras con una exposición menor de 1 segundo mediante un objetivo Petzval de luminosidad 1:3.5 (en 1850) en una cámara Voigtlánder.

Négre, Charles

(*1820 a 1879 Grasse).  Pintor y fotógrafo.  Comenzó en 1850 a hacer calotipos.  En su estudio de París fotografiaba retratos, bodegones y escenas de género.  Pero fue sobre todo un destacado fotógrafo de arquitectura.  Se dio a conocer por su serie de fotos sobre el emperador en el exilio (Napoleón 111).  Fue cofundador de la Société Francaise de Photographie y desarrolló diversos procedimientos fotomecánicos: heliograbado (1 854), colotipia (1856), fotogalvanografía (1861).

Niépce, Joseph Nicéphore

(*1765 Chalon-sur-Saóne, a 1833 Gras).  Inventor de la fotografía.  Desde 1816 emprendió ensayos para transferir a una placa impresora, a través de papeles sensibilizados, las imágenes que se formaban en la cámara oscura.  Experimentó con asfalto fotosensible, para pasar las imágenes a piedra, metal y vidrio.  En 1822 logró la primera fotocopia de un grabado en cobre sobre una placa de vidrio recubierto de asfalto. En 1826 fotografió desde la ventana de su cuarto de trabajo, con una exposición de 8 horas, sobre una placa de cinc recubierto de asfalto (descubierta por Helmut Gernsheim y actualmente en posesión de la Texas University/ EE.UU.). Para ello utilizó la primera cámara, que encargó expresamente al óptico parisino Charles Chevalier.  Su primer informe a la Roya¡ Society of Sciences sobre el procedimiento de la heliografía data de 1827.  En París tuvo los primeros contactos con Daguerre, con quien se asoció en 1829.  Su objetivo común era mejorar el procedimiento de la heliografía.  En 1833 su hijo Isidor fue su sucesor en el contrato.  Entre 1837 y 1839 había mejorado tanto el procedimiento, que bajo el nombre de daguerrotipo pudo iniciar su marcha triunfal.

Ortiz-Echagüe, José

(*1886 Guadalajara, a 1980 Madrid).  Empezó a fotografiar desde muy joven, obteniendo premios y menciones en numerosos salones españoles y extranjeros.  Su obra más sustantiva está recogida en cuatro libros: "España, Tipos y Trajes" (1933), "España, Pueblos y Paisajes" (1938), "España, Mística" (1943) y "España, Castillos y Alcázares" (1956).  En ellos se recopila la riqueza arquitectónica, paisajística y folklórica de España, en estampas de reconocido valor estético que valieron a su autor un reconocimiento internacional, materializado en numerosas exposiciones y publicaciones.  Alcanzó, por otra parte, una extraordinaria maestría en el tiraje "fresson", que él adaptó y rebautizó como "carbón".

Perscheid, Nicola

1 864, a 1930).  Después de aprender fotografía en Koblenz y de algunos años de aprendiz en Gijrlitz (1 89 1) y Leipzig (1 894), fue a Berlín (1905).  Allí se dedicó a la fotografía artística (como uno de los primeros fotógrafos profesionales).  Creó fotos de género y de paisajes muy apreciadas, que luego elaboró en impresiones a la goma y más tarde en oleografías.  En 1925 desarrolló el llamado objetivo Perscheid, construido por Busch en Rathenow.  Era un difusor especialmente adecuado para retratos.  Aparte de esto, Perscheid debió ser uno de los primeros fotógrafos que hizo bromóleos de color con tres negativos parciales de una toma en tricromía.

Ortiz-Echagüe, José

(*1886 Guadalajara, a 1980 Madrid).  Empezó a fotografiar desde muy joven, obteniendo premios y menciones en numerosos salones españoles y extranjeros.  Su obra más sustantiva está recogida en cuatro libros: "España, Tipos y Trajes" (1933), "España, Pueblos y Paisajes" (1938), "España, Mística" (1943) y "España, Castillos y Alcázares" (1956).  En ellos se recopila la riqueza arquitectónica, paisajística y folklórica de España, en estampas de reconocido valor estético que valieron a su autor un reconocimiento internacional, materializado en numerosas exposiciones y publicaciones.  Alcanzó, por otra parte, una extraordinaria maestría en el tiraje "fresson", que él adaptó y rebautizó como "carbón".

Perscheid, Nicola

1 864, a 1930).  Después de aprender fotografía en Koblenz y de algunos años de aprendiz en Gijrlitz (1 89 1) y Leipzig (1 894), fue a Berlín (1905).  Allí se dedicó a la fotografía artística (como uno de los primeros fotógrafos profesionales).  Creó fotos de género y de paisajes muy apreciadas, que luego elaboró en impresiones a la goma y más tarde en oleografías.  En 1925 desarrolló el llamado objetivo Perscheid, construido por Busch en Rathenow.  Era un difusor especialmente adecuado para retratos.  Aparte de esto, Perscheid debió ser uno de los primeros fotógrafos que hizo bromóleos de color con tres negativos parciales de una toma en tricromía.

Pla Janini, Joaquim

(*1879 Tarragona, a 1970 Barcelona).  Practicó la fotografía desde muy joven aunque profesionalmente ejercía la medicina.  En 1924 participó en la fundación de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, ocupando su presidencia entre 1927 y 1930.  En 1931 debió jubilarse prematuramente por razones de salud, hecho que le permitió dedicarse por entero a su obra fotográfica, exponerla ampliamente y obtener galardones con ello.  En octubre de 1934 la revista "Art de la Llum" le dedicó íntegramente un número monográfico; en diciembre de 1980 lo hizo la revista Suiza "Camera".  Las obras más renombradas de Pla Janini fueron efectuadas por el procedimiento de "bromóleo transportado", en el que se destacó como uno de los mejores especialistas de toda la historia.

Ray, Man

(*1890 Filadelfia, a 1976 París).

Formación de arquitecto e ingeniero. Después estudió pintura en Nueva York y expuso ya en 1912 sus primeros cuadros.  En 1915 hizo el primer one-man-show, que difundió rápidamente su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.  En 1917 fundó ,junto con Marcel - Duchamp y Francis Picabia, el grupo dada de Nueva York.  Fue en 1920 cuando comenzó a ocuparse seriamente de la fotografía, reproduciendo sus propios cuadros (pintados).  En 1921 se trasladó a París, para estudiar en la Académie des Beaux Arts.  Allí trabó amistad con los dadaístas y surrealistas.  Llamó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que llamó rayogramas.  Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían practicado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y - Schad (1918).  Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".  En los años siguientes trabajó alternativamente como pintor, fotógrafo (retratos) y cineasta.

Otra publicación: Self Portrait, 1963.

Bibliografía:Kempe, A.R.-P. - Der Fotograf der Dinge. 196 7 - A.R, -P. Catálogo.  Fotografien 1925-1966. 1977.

Renau, Josep

(*1907 Valencia).  Estudió Bellas Artes, pero dejaría la pintura por el cartelismo y el fotomontaje.  Su Obra fotográfica se inició con influencias dadaístas, pero al igual que Heartfield, terminó concibiendo sus realizaciones en el contexto de la lucha ideológica y al servicio de la izquierda revolucionaria.  Exilado en México, inició en 1957 la serie de fotomontajes que le haría célebre y que tenía como Leit-motive la realidad que se escondía tras la máscara del "American Way of Life".  Instalado en la República Democrática alemana, esta colección se publicaría en 1967 con el título de "Fata Morgana U.S.A. " ' A su gran capacidad creadora se unió una aguda inteligencia para la teorización y sus ensayos sobre el fotomontaje se han convertido en verdaderos clásicos.

Renger-Patzsch, Albert

(*1897 Würzburg, a 1966 Wamel).  A los doce años comenzó a fotografiar como autodidacta.  Tras servir en la guerra estudió química en Dresde en 1918.  Colaboró con fotografías en la serie de libros "Die Welt der Pflanze" (El mundo de las plantas).  En 1922 fue dírector de la sección fotográfica del archivo Folkwang de Essen, pero ya en 1925 se independizó como fotógrafo en Bad Harzburg.  A la vez apareció su primer libro ilustrado Das Chorgestühl von Cappenberg.  En 1928 regresó a Essen y obtuvo encargos de fotografías de industria, arquitectura y paisajes.  En 1928 apareció su libro Die Welt ist schón, premiado como obra típica de la nueva objetividad, de la que fue pionero.  En 1933 fue profesor de la Folkwangschule de Essen.  Siguieron exposiciones en el país y en el extranjero, que le dieron fama mundial.

Otras publicaciones: Technische Schónheit, 1929 - Sylt.  Bild einer InseL Landschaft als Dokument. 1936.

Rijs, Jacob

(*1849 Ribe/Dinamarca, a Bare/ EE.UU.). Pionero de la documentación fotográfica social.  Trabajó primero como reportero para el "New York Tribune".  Se hicieron famosos sus reportajes críticos sobre los siums de Nueva York.  Con sus informes gráficos protestaba contra el trabajo infantil en las fábricas, misión que luego prosiguió Lewis W. Hine.

Publicaciones:         How the other half lives. 1971 -J.R. 1972.

Bibliografía: Alland,J.R. 1974.

Rodtschenko, Alexander

(*1891 Petersburgo, a 1956 Moscú).  Estudió arte en Moscú de 1910 a 1914.  En 1913 hizo su primera exposición con pinturas impresionistas.  Participó en el "Tathus Magasine" con obras constructivistas en parte.  En 1918-1926 Rodtschenko enseñó en la escuela Proletkult de Moscú.  Se ocupó de la tipografía y el diseño de carteles.  Su adhesión al constructivismo le llevó a hacer colages y fotomontajes, que utilizaba también para la composición de carteles.  Desde 1925 hizo fotografías orientadas por la pintura abstracta.  Con sus obras de los años 30, Rodtschenko hizo una notable aportación histórica al desarrollo de la fotografía artística libre.

Salomon, Erich

(*1886 Berlín, a 1944 Auschwitz).

Estudió derecho y promoción en Munich, Berlín y Rostock.  Pionero del periodismo fotográfico moderno. De 1918 a 1925 trabajó para la editorial Ullstein y luego para la "Berliner Illustrierte Zeitung", para "Tinies", "Fortune", "New York Times" etc.  Fue maestro de la observación discreta y la información gráfica.  Trabajaba con objetivos luminosos en la Ermanox o la Leica y fotografió juicios, sesiones parlamentarias, conferencias internacionales (sin flash ni lámparas).  En 1931 publicó su libro Berühmte Zeitgenossen in unbewachten Augenblicken.  En 1934 emigró a Holanda.  Murió en 1944 en el campo de concentración de Auschwitz.  Aún hoy se le tiene como modelo (a él y a su obra), en el periodismo fotográfico.  En 1971 la Deutsche Geselischaft für Photographie

(DGPH) fundó el premio Dr. Erich Salomon para trabajos periodísticos destacados.

Publicaciones:         Obevakade ógonblick-unguarded moments. 1974 Portrait of an age. 1975 - E.S. Katalog. 1976.

Sander, August

(*1876 Herdorf a.d. Sieg, a 1964 Colonia).  Trabajó primero como minero.  Durante el servicio militar en 1896-1898 tuvo las primeras ocasiones de fotografiar.  Concluido el servicio, se hizo fotógrafo profesional.  En 1902 abrió un estudio propio en Linz.  Pero ya en 1910 se trasladó a Colonia.  El primer gran éxito le llegó con la exposición del Werkbund de 1914.  Tras la primera guerra mundial fotografió tipos alemanes, sencillos artesanos, campesinos y burgueses.  Sus fotos en general eran preparadas.  Se preocupaba por lograr una reproducción original, lo más expresiva posible.  Lo más famoso de él fue su exposición "Menschen des 20 Jh." (1927) (personas de¡ s. XX) y sus libros Antlitz der Zeit (1929) (La faz del tiempo), Deutschenspiegel (1962) y Menschen ohne Maske (1971, póstumo).

Otras publicaciones: A.S. Künstlerportrdts - A.S. Rheinlandschaften. 1975 (ed.  Kemp).

Eisenstaedt, Alfred

(*1898 Dieischau). Comerciante de profesión. Primero fue fotógrafo aficionado con éxito en Berlín. Primeras publicaciones de sus fotos en 1927 en el "Weltspiegel". A continuación se hizo reportero profesional y en 1935 se le conoció por un reportaje sobre Thomas Mann (concesión del premio Nobel). En 1936 emigró a EE.UU., donde se convirtió en uno de los mejores periodistas gráficos y colaborador en la plantilla de "Life".

Publicaciones: The eye of E. 1969 - Witness to nature. 1971 Panoptikum. 1973 - Es Album. 1976.

(*1874 Halle, a 1948 Gaienhofen am Bodensee). Cursó estudios en 1892-1896 con el fotógrafo de la corte de Dresde, Hoffert. A la vez estudió pintura en la Kunstakademie de Dresde. En 1906 acondicionó allí el palacio de Lüttichau como estudio de retratos, que se convirtió en un foco de la vida cultura¡ de Dresde.  Erfurth llegó a ser uno de los retratistas más solicitados de los años 20 y 30.  Fotografiaba a quien tenía nombre y rango: Klee, Kollwitz, Dix, Hauptmann, Kokoschka, Chagall, Gropius, Adenauer, etc.  A la vez progresó como maestro de las técnicas actuales de copia.  Hasta aproximadamente el año 1918 hizo impresiones a la goma y luego oleografías pigmentadas. En 1919 fue cofundador de la Gesellsehaft Deutscher Lichtbildner (GDL), que actualmente es la asociación fotográfica más antigua de Alemania. En 1933 se trasladó a Colonia, donde murió en un bombardeo en 1945.

Publicación: Otto Steinert y H.E..Bildnisse. 1961.

Bibliografía:  Hansch, H.E., der Altmeister der deutschen Portrdtfotografie. En: "Moderne Fototechnik".  Junio 1971 - B. Lohse, H.E., der Fotograf der goldenen 20er jahre. 1977.

Evans, Frederick Henry

(*1852 Londres, a 1943).  Librero inglés y al principio mero fotógrafo aficionado.  Retrataba a sus amigos: G.B. Shaw, Aubrey Beardsley, entre otros.  En 1898 se hizo fotógrafo profesional.  Se interesó especialmente por la arquitectura.  Para la revista "Country Life" fotografió catedrales inglesas y castillos franceses, tomas con las que se dio a conocer también en EE.UU. Su primera exposición en Boston en 1897 fue un gran éxito.  Evans, miembro del gremio de fotógrafos artísticos The Linked Ring (1901), hacía exclusivamente impresiones al platino.

Schad, Christian

(* 1894 Miesbach).  Pintor del expresionismo y de la nueva objetividad, En febrero de 1916 cofundador del dadaísmo.  En 1918 y después de este año hizo fotogramas que sus amigos llamaban schadografías.  Exponiendo objetos reales, dispuestos sobre papeles fotográficos, se formaban grafismos lumínicos abstractos y fantásticos.  Sus trabajos abrieron el camino al moderno fotograma artístico, que cuatro años después también practicó Man Ray (rayograma)

Bibliografía:  C. Sch.  Schadographien 1918-1975.  Catálogo, 1975.

(*1879 Luxemburgo, a 1973 WestRedding/Connecticut).  Steichen estudió arte en Milwaukee.  Durante ese tiempo trabajó para un centro artístico (litografía) e hizo sus primeras fotos (1896).  Ya en 1902 realizó en París una exposición de sus pinturas y fotografías (impresiones a la goma).  En tal ocasión creó su famoso retrato de Auguste Redin, The thinker.  En el mismo año nació en Nueva York la Photosecession, entre cuyos miembros fundadores estaba Steichen.  En 1905 estableció una estrecha colaboración con Alfred - Stieglitz, a quien apoyó para montar la famosa Gallery 291 en Nueva York.  De 1906 a 1914 estudió pintura en París, pero regresó a América al empezar la guerra.  Durante la misma fue especialista en tomas aéreas, y en 19231937 fotógrafo jefe en "Condé Nast".  Trabajó para "Vogue" y "Vanity Fair".  Entretanto ya se había convertido en uno de los más prestigiosos fotógrafos de modas y retratos de EE.UU. En 1946 le nombraron finalmente director de la sección de fotografía del museo de Arte Moderno de Nueva York.  Organizó como tal muchas exposiciones, entre ellas su más famosa: "The family of Man" (1955).  Esta exposición recorrió la mayoría de las grandes ciudades de todo el mundo.

Publicaciones:         The first Picture Book. 1930 - E.S., ein Leben für dis Fotografie. 1965 - E.S.: 1976.

Steinert, Otto

(* 1 9 1 5 Saarbrücken).  Estudió medicina.  Trabajó hasta 1948 como médico, pero se dedicó cada vez más a la fotografía.  En 1948 fundó una clase de fotografía en la escuela estatal de artes y oficios de Saarbrücken, llegando a ser director en 1952.  Numerosas exposiciones en Europa, Asia y América.  Desarrolló un estilo fotográfico muy marcado, caracterizado por el rigor de la forma y el aumento del contraste hasta el extremo en la técnica de blanco y negro.  Desde 1959 es profesor en la Folkwang-Schule, de Essen, y ha formado a toda una serie de destacados fotógrafos.  Tienen importancia los dos movimientos fotográficos iniciados por Steinert, fotoforni y fotografía subjetiva.

Publicaciones:        Subiektive Fotografie. 1952 - Subjektive Fotografie 2. 1955 - O.S. Initiatoreinerfotogra. fischen Bewegung.  Catálogo 1976 - Selbstportrdts. 1961.

Stieglitz, Alfred

(*1864 Hoboken/Nueva Jersey, a 1946 Nueva York).  De 1881 a 1890 estudió ingeniería y fotografía en la escuela técnica superior de Berlín.  Regresó a América en 1890 con el propósito de implantar la fotografía compositiva sobre una base amplia dentro del arte figurativo.  Persiguió este objetivo con la edición de diversas revistas de fotografía: "American Amateur Photographer" (1892-1896),   "Camera-Notes" (1897-1902),           "Camera  Work" (1902-1917).En 1902 fundó la Photo-Secessión  americana y la Gallery 291 en la Quinta Avenida. En sus revistas y exposiciones, Stieglitz presentó a todos los fotógrafos y artistas de fama de su época (- Steichen, - Cameron, Matisse, Picasso y otros), Él mismo fue un fotógrafo destacado.  Se hicieron famosas sus escenas callejeras de Nueva York, que fotografió en 1898 con una cámara de mano.  En 1937 abandonó la fotografía y desde entonces se dedicó exclusivamente a la difusión de las artes.

Strand, Paul

(*1890 Nueva York, a 1976 Paris).  Estudió fotografía en Nueva York de 1907 a 1909.  Fue alumno de Lewig W. - Hine en la Ethical Culture High School.  En 1909 abrió su primer estudio propio.  Por mediación de Alfred - Stieglitz se hizo miembro de la Photo-Secession.  Fue representante comprometido del nuevo realismo (1917) en fotografía, y después también en cine, pues trabajaba alternativamente como fotógrafo y como cineasta.  Hacia 1926 comenzó a fotografiar plantas.  Con ello perseguía objetivos análogos a los de los representantes de la nueva objetividad en Alemania (- Renger-Patzsch, Blossfeldt).  En 1932 se trasladó a Méjico, donde llegó a director de un departamento de cine y fotografía del gobierno mejicano.  Regresó en 1935 a Nueva York y comenzó a rodar películas documentales.  En 1945 el museo de Arte Moderno de Nueva York presentó con gran éxito una exposición monográfica del fotógrafo.  Después de 1946 Strand publicó libros y colaboraciones sobre Nueva Inglaterra, Francia, Italia, Egipto, Marruecos, etc.

Otras publicaciones: Ghana, an african portrait. 1976 - P.S. y Tomkins, Sixty years of photography. 1976 - The mexican Portfolio. o.   J.

Bibliografía:  Monographie P.S. 1971 - Hazel Strand y Hoffmann, P.S.A. retrospectiva monograph. 1972.

Sudek, Josef

(*1896 Kolin, a 1976 Praga).  Experto encuadernador y al principio fotógrafo aficionado.  Ingresó en 1920 en el foto club de aficionados de Praga.  De 1922 a 1924 estudió fotografía con Karl Nowak.  Su primer libro sobre la catedral de St. SEIT, de Praga, se publicó en 1928.  Antes, en 1924, fundó junto con algunos fotógrafos la Sociedad Fotográfica Checa.  En 1933 hizo la primera exposición y en 1936, junto con - Heartfield, - Moholy Nagy, - Rodtschenko y Man Ray, una exposición en la sala Manés de Praga, de sumo interés.  El fuerte de los fotógrafos eran paisajes sugestivos, interiores románticos, bodegones y retratos.

(*1800 Melbury/Inglaterra, a 1887 Lacock Abbey).  De cultura universal, filólogo, científico, experto en arte.  Desde 1834 experimentó con la cámara clara y la cámara oscura.  Por sugerencia de John F.W. Herschel (1792-1871), inventó un proceso negativo-positivo, que patentó, antes de conocerse el daguerrotipo, bajo el nombre de calotipo (conocido también como talbotipo).  La Roya¡ Society dio a conocer su invento el 10 de junio de 1841 bajo el título "The process of Calotypie photogenic Drawing", cinco años después de que Talbot lograra su primera foto, una toma de su casa de Lacock.  A diferencia del daguerrotipo, en que producía una imagen negativa sobre una placa de plata, el talbotipo ya era un proceso negativo-positivo, en el que se exponía papel fotosensible.  El calotipo tuvo una difusión universal.

En principio llevaba directamente al procedimiento negativo-positivo, tal como se emplea aún hoy.  El mismo Talbot creó innumerables fotos de este tipo, especialmente de arquitectura y paisajes.  Ya en 1844 apareció su primer libro ilustrado con fotografías, The pencíl of Nature, y poco después The Sun Pictures of Scotland.  También despertaron interés sus fotogramas de plantas y mariposas, hechos en sus ensayos previos.  En 1849 presentó otra patente.  Se refería a la utilización de la porcelana como soporte fotográfico.  Talbot, que reconoció pronto las posibilidades universales de la fotografía, fue a la vez pionero de la microfotografía, la fotografía panorámica e incluso de la fotocopia.

Bibliografía:  Jammes, W. H. F. T. 1973 - W.H.F.T. Ein grosser Erfinder und Meister der Photographie. 1972. 

Los elementos más básicos de la fotografía son:la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar y la luz existente. Existen más conceptos básicos que se irán explicando poco a poco en el curso.

La cámara tiene un objetivo en un extremo que enfoca un rayo de luz desde el sujeto a la película. En el otro extremo existe un compartimento para la película. Una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que penetra (apertura de diafragma). Un obturador controla el tiempo que la película está expuesta a la luz (tiempo de exposición). Se observa la escena a través de un visor. Para elegir el momento de la exposición posee un disparador.

El objetivo

El objetivo enfoca un rayo de luz desde el sujeto a la película. Consta de una o varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de luz que lo atraviesan en un punto llamado foco. Cuando enfocamos con la cámara en realidad alejamos o acercamos el objetivo para obtener un foco nítido.

La distancia entre el foco y el diafragma del objetivo es lo que llamamos la distancia focal. Modificando la distancia focal se consigue enfocar al sujeto más de cerca o más lejos. Con una distancia focal de 50 mm se consigue una visión lo más parecida al ojo humano.
Todo objetivo tiene una distancia mínima respecto al sujeto. Si tratamos de hacer una fotografía por debajo de dicha distancia el objetivo no podrá enfocar.

Tipos de objetivos.- Existen cinco tipos de objetivos.

Normal: los objetivos normales tienen una distancia focal de 50 mm para darle una perspectiva similar a la del ojo humano. Se recomiendan para la fotografía de propósitos generales y son ideales para aprender los principios básicos de la fotografía.

Gran angular: los objetivos de gran angular (distancias focales de menos de 50 mm) capturan tomas más anchas que la normal. Le dan una mayor sensación de profundidad y son útiles para fotografiar paisajes o grupos de personas.

Teleobjetivo: los teleobjetivos tienen distancias focales de más de 50 mm y permiten hacer fotografías a gran distancia. Son también ideales para hacer retratos y primeros planos.

Macro: sirven para obtener un acercamiento máximo. La distancia mínima del objetivo al sujeto es muy inferior al resto de tipos de objetivo. También son ideales para fotografiar insectos y flores.

Zoom: este tipo de objetivo permite, a diferencia del resto, variar la distancia focal sin cambiar el objetivo. Con esta característica se encuentran los zooms gran angular y teleobjetivos. Son los más versátiles y la opción más económica para tener un rango de distancias focales. Por el contrario, este tipo de objetivo ofrece menor luminosidad que los demás.

El compartimento de la película

El compartimento de la película es el hueco donde se aloja la película. En él no puede entrar la luz más que en el momento de la exposición, y a través del obturador. Si no es así la película se velará y se perderán las fotos. Por cada exposición el carrete va avanzando y enrollándose en un cilindro. Cuando se acabe la película se volverá a enrollar dentro del carrete, y así está protegida de la luz al sacarla de la cámara. A la hora de manipular la película dentro de compartimento se debe mantener fuera del polvo y no presionar el obturador, que pueden ser unas delicadas cortinillas como en la imagen.

El diafragma.- El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o menos luz. Lo abierto que está el objetivo es lo que se llama apertura de diafragma. En las cámaras manuales controlamos el diafragma mediante una rueda del objetivo y en las cámaras automáticas se puede regular mediante botones.

Los objetivos tienen una apertura máxima, por ello, si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima va cambiando según varía la distancia focal.

Para conseguir el equilibrio de luz en cada exposición se combina la apertura de diafragma con el tiempo de exposición. Es decir, que si se aumenta la apertura de diafragma (más luminosidad) hay que reducir el tiempo de exposición (tiempo que la película está expuesta a la luz) o si no la fotografía sería muy clara (sobreexpuesta). Igualmente, para captar la luz que hay en la escena, si se reduce la apertura de diafragma (menos luminosidad) hay que alargar la exposición, sino quedaría una imagen oscura (subexpuesta). La apertura de diafragma se mide en números f. El menor de los números indica la apertura máxima. La relación entre los números f es que cada vez que se pasa de un número a otro menor, la luminosidad se reduce a la mitad, de modo que f11, por ejemplo, tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.

La escala de números f básica es la siguiente:

f1, f1.4, f2, f2.8, f4, f5.6, f8, f11, f16, f22, f32, f45...

Ejemplo de una exposición.- Estas dos fotografías serán capaces de captar la misma luminosidad. La primera aumentará la apertura de diafragma (reduciendo el tiempo de exposición). La segunda duplicará el tiempo de exposición. Para que la imagen no resulte clara (sobreexpuesta) se cierra el diafragma, dejando pasar la mitad de luz que en el caso anterior. Aunque ambas capten la misma luminosidad encontraremos diferencias entre ellas. Estas diferencias se entenderán en el próximo tema "cómo hacer fotos".

Tiempo exposición: 1/120; Apertura: f5.6; La misma exposición:Tiempo exposición: 1/60; Apertura: f8.


El obturador

El obturador limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y expone la película. Mediante el obturador se controla el tiempo necesario para que la película se exponga el tiempo justo a la luz. El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la exposición a tiempos muy pequeños. Habitualmente los tiempos de exposición varían desde segundos (para condiciones de luz muy malas) a milésimas de segundo (para fotografías muy rápidas). Los tiempos más usuales, en segundos, son:

...4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000...

En las cámaras manuales el tiempo de exposición se regula mediante una rueda similar a la de la imagen y en las cámaras automáticas se regula mediante botones. Por ejemplo, la velocidad 125 corresponde a 1/125 segundos. Tanto en las cámaras automáticas como en las manuales se puede elegir una apertura determinada y obtener un tiempo de exposición estimado, y viceversa. Las aplicaciones del tiempo de exposición se explicarán en próximas unidades


El visor

El visor es un dispositivo a través del cual se observa al sujeto que será fotografiado, haciendo posible componer la escena y enfocar. Principalmente hay dos tipos de visores:

2. Visor reflex: la imagen proyectada en la película por el objetivo esta boca abajo e invertida lateralmente. El visor reflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y un pentaprisma (bloque de cristal de cinco caras, tres de ellas plateadas), para corregir la inversión lateral, por tanto el fotógrafo contempla la escena en su posición real. Este es el tipo de visor que llevan las cámaras SLR, también llamadas reflex por esta razón.

El visor directo tiene un problema llamado paralelaje, acentuado en las fotografías en las que el sujeto está cerca de la cámara. Tal como muestra la imagen, este problema consiste en que la imagen visualizada a través del visor no coincide con la imagen enfocada por el objetivo. Esta es la razón por la que se han creado otros sistemas como el visor reflex.

Tipos de películas

1.Según color: el color en la fotografía no depende de la cámara sino de la película que puede ser en color o en blanco y negro.

2.Según formato:

-Papel: película para ser revelada en papel. Los colores aparecen invertidos en la película.
-Diapositiva: La propia película se monta en soportes de plástico para ser proyectada. Los colores aparecen en positivo en la película.

3. Número de exposiciones: los hay de 12, 24, 36 exposiciones. Dependiendo de la ocasión puede interesar más utilizar uno u otro. Habitualmente resultan más económicas, por exposición, las películas de 36 exposiciones.

4. : cuando se monta una película en la cámara, hay que indicarle a ésta cuál es la sensibilidad de la película. DX es un sistema que configura la sensibilidad en la cámara de forma automática y la cámara debe soportarlo. No ocurre nada si se utiliza una película DX en una cámara que no soporta el sistema, ni si utiliza una película sin DX en una cámara que sí lo soporta. Para saber si una película lo soporta ha de aparecer un logotipo similar a este en la caja.

5.Sensibilidad: la sensibilidad se mide según el estándar ASA, de ISO (International Standard Organization). A mayor sensibilidad la película es capaz de captar mayor luminosidad, con lo cual se necesitará menor tiempo de exposición o apertura de diafragma. A mayor sensibilidad la definición de la película disminuye, siendo el grano mayor. De esta forma hay que encontrar un punto medio óptimo entre definición y luminosidad.
Según el estándar ASA cuanto menor es el número del tamaño del grano, menor es la sensibilidad, teniendo en cuenta que hay sensibilidades típicas de 100, 200, 400, 800, 1600 ASA. Una película 200 ASA proporciona el doble de luminosidad que una película 100 ASA y la mitad que una 400 ASA.

Tipos de cámaras

En el mercado se pueden encontrar multitud de tipos de cámaras fotográficas. Según el tamaño y formato de la película, tipo de visor, digitales, compactas, manuales, automáticas, etc.. Para los fines que persigue este curso, la cámara más versátil y completa es la cámara con película de 35mm, reflex (también llamado SLR), ya sea automática o manual.

Bifocal ---------Compacta----------Digital y SLR

¿Por qué es la más adecuada? Este tipo de cámara nos permite ajustar la apertura de diafragma, el tiempo de exposición, el enfoque, y el zoom si el objetivo lo permite; ya sea de forma manual o automática. Nos ofrece un encuadre real al utilizar visor reflex. En la mayoría de los casos nos permite intercambiar objetivos en un mismo cuerpo.

Grado de automatismo.- Las cámaras SLR pueden ser manuales o automáticas. Generalmente las automáticas permiten ser manejadas de forma manual. Los elementos que se suelen automatizar son:

-Avance y rebobinado de película: En las cámaras manuales hay que avanzar mediante una palanca y rebobinar manualmente cuando el carrete se acaba.
-Detección de la sensibilidad de la película (sistema DX): Al introducir la película la cámara detecta automáticamente la sensibilidad de la película y se configura para esta.
-Enfoque: para que una cámara sea AUTOFOCUS, tanto el cuerpo de ésta como los objetivos han de serlo.
-Cálculo del tiempo de exposición a partir de una apertura de diafragma o viceversa.
-Autodisparo.
-Programas: la cámara proporciona una serie de modos predefinidos para fotografías como paisajes, retratos, objetos en movimiento, etc... Estos programas juegan con la apertura de diafragma y con la velocidad de exposición principalmente.
-Compensación de exposición: para corregir los errores de exposición en nieve y playa, por ejemplo. De esta cuestión se hablará en el próximo tema.
-Eliminación de ojos rojos con flash.

Una cámara puede ser automática en parte de estos elementos y no serlo en otros.

La composición

Podemos decir que la situación de los objetos en la escena de una fotografía conforman lo que se llama composición. Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena, haciéndola llamativa. A continuación se muestran unos consejos para hacer la composición.

La regla de los 1/3 - 2/3.- Un sujeto no tiene porque estar situado en el centro de la escena, pues se podrían dejar partes de la fotografía vacías. Es recomendable ocupar la mayor parte de la fotografía para obtener mejores resultados. Dividimos hipotéticamente el marco en tercios tanto vertical como horizontalmente. Trataremos de que las líneas más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios.

Este tipo de fotografías hay que evitarlas no centrando el horizonte

Como el cielo no es llamativo le damos importancia al suelo

Si el cielo es llamativo le quitamos importancia al suelo y se la damos al cielo

En esta imagen está situado el sujeto en un tercio (verticalmente) y el horizonte en otro (horizontalmente).

En esta imagen los objetos se ajustan a los dos tercios verticales.

En esta imagen se ajusta la catarata a un tercio vertical

Apunta al cuello.- Derivada de la anterior regla. Al hacer retratos es aconsejable hacer coincidir la línea de los ojos con un tercio del marco. Esto es aproximado a hacer coincidir el cuello del sujeto con el centro de la fotografía.

Hay que evitar fotografías como las que aparecen a continuación, en las que hay gran cantidad de espacio vacío por encima del sujeto.

   Es típico encontrarse por la calle a un grupo de personas que hacen fotos a todos sus familiares pegados a un monumento y a una distancia de ellos bastante considerable. En estos casos nos encontramos con fotos en las que casi no se distingue al sujeto. Es bueno saber qué se está fotografiando, y si dos objetos no son compatibles en una misma fotografía, entonces hacer dos fotografías distintas. Mejor acercarse al sujeto y jugar con el zoom y la perspectiva para ajustar el fondo.

No, señora, no se le ve. Este tipo de fotografías hay que evitarlas

En esta fotografía se pueden observar tanto el fondo como los sujetos de la escena.

Puntos fuertes.- Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.

Líneas.- En algunas fotografías quedan muy marcadas algunas líneas. Éstas deben ser ordenadas, que no se crucen y, a ser posible, que confluyan en puntos fuertes.

Zoom, perspectiva y distancia

El zoom es un tipo de objetivo que permite acercar o alejar el sujeto que se quiere fotografiar sin tener que acercar o alejar la cámara. Sin embargo esta no es su única aplicación, pues también modifica la perspectiva de la escena.

La distancia.- Como ya se ha dicho el zoom permite acercar o alejar la visión a un objeto, abriendo o cerrando el campo de visión. Al acercarse se cierra el campo de visión, abriéndose al alejarse. Se modifica la distancia modificando la distancia focal, de la que se habló en el tema anterior. La visión humana equivale aproximadamente a 50mm.

28mm -----------------50 mm ---------------100 mm---------- 200mm -----------300 mm

La perspectiva.- Al modificar la distancia focal se modifica la perspectiva. De este modo se puede modificar una proporción del sujeto respecto al fondo al modificar la distancia respecto a sujeto y utilizar una distancia focal distinta. El siguiente gráfico ilustra este concepto, así como las imágenes posteriores.

Es interesante observar cómo según se va utilizando una distancia focal menor aumenta el campo de visión. En esta serie de imágenes se ha ido modificando la distancia real al objeto, desde 4 metros aproximadamente a 0,4 metros, a la vez que se reduce la distancia focal.

300 mm -----------------200 mm----------- 80 mm-------------- 50 mm

Recomendaciones.- Al aumentar la distancia focal, el objetivo es más sensible a cualquier movimiento. Para evitar fotos movidas se recomienda utilizar un trípode o un tiempo de exposición bajo. Para facilitar esto último se recomienda el uso de una película muy sensible, de 400 ú 800 ASA.

El enfoque

El enfoque permite hacer nítido un sujeto. En las cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que enfocar. En las SLR manuales se enfoca mediante una rueda que hay en el objetivo. En las SLR con autofocus el enfoque se hace apuntando con el centro al sujeto y pulsando el botón de disparo suavemente. Apretando más se realiza el disparo. También permiten ser efocadas manualmente.

Distancia mínima.- Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz de enfocar.

Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima mayor, aproximadamente 1,5 metros, que los objetivos de menor alcance (p.ej. 28-80), aproximadamente 40 cm.

La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca con lentes de acercamiento.

¿Cómo enfocar?.- Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de hacer una fotografía se tenga claro cuál es el sujeto que se quiere enfocado, se enfoca éste (apuntando directamente sobre él) y posteriormente se hace el encuadre de la escena. Realmente, cuando enfocamos un sujeto lo que hacemos es enfocar una distancia. Si en la imagen se hubiera enfocado al centro los sujetos habrían salido desenfocados. Primero se enfoca a uno de ellos (pues están a la misma distancia), después se compone la escena (encuadrando) y finalmente se dispara.

Profundidad de campo

En el tema anterior se explicaba que modificando la apertura de diafragma se modifica la cantidad de luminosidad que penetra en la cámara. También hay otro concepto relacionado con la apertura de diafragma, la profundidad de campo.

La profundidad de Campo es la distancia por delante y por detrás del sujeto enfocado que aparece nítida. A mayor apertura de diafragma (número f menor) la profundidad de campo es menor. La profundidad de campo se acentúa todavía más cuanto mayor es la distancia focal, que se modifica con el zoom.

En la imagen se enfoca la figura del medio, con un número f pequeño las figuras cercanas aparecen desenfocadas, mientras que con un número f mayor vemos más nítidas las figuras cercanas.

Cómo usarla.- La profundidad de campo debe ser pequeña cuando queremos resaltar un sujeto sobre un fondo que no nos interesa, por ejemplo un retrato o flores.

Debemos utilizar una profundidad de campo grande cuando queremos que no quede ningún objeto desenfocado, por ejemplo un paisaje.

Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo alta, es decir, un número f grande. La apertura de diafragma es baja.

Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo baja, es decir, un número f pequeño. La apertura de diafragma es alta.

Al fotografiar paisajes con un objeto intermedio usar siempre profundidad de campo alta

Para resaltar al sujeto en un retrato o primer plano usar profundidad de campo baja. Para acentuarlo aún más utilizar distancia focal alta, usando el zoom (p. ej. 150 mm).

Tiempo de exposición

En el tema anterior se explicaba cómo el obturador limita el tiempo que el rayo de luz alcanza la película. Este tiempo es el tiempo de exposición.
La primera imagen tiene un tiempo de exposición bajo, o velocidad alta. La segunda tiene un tiempo de exposición alto, o velocidad baja.

Accesorios - El trípode

El trípode es un accesorio con tres patas (tres puntos de apoyo) que permite mantener la cámara fotográfica completamente estática. Suelen tener una zapata de acople rápido que se ajusta a la cámara con una rosca para dejarla permanentemente en ella, y así acoplar la cámara rápidamente al trípode sin tener que enroscarla. Permite girar la cámara vertical, horizontalmente y moverla en altura.

El trípode es necesario en las siguientes situaciones:

-Con exposiciones largas (a partir de 1/30 segundos aproximadamente).

-Al usar teleobjetivos. Hay que tener en cuenta que un ligero movimiento en la cámara supone un movimiento muy grande en el sujeto enfocado a gran distancia.

-Con exposiciones múltiples, si se quiere hacer coincidir el fondo.

-Al usar el autodisparo. Así nadie tiene que sujetar la cámara.

-Cuando se quiere hacer fotografías con el mismo encuadre.

Es recomendable que el trípode sea pesado y estable para conseguir que la cámara esté completamente quieta. Si se prefiere uno ligero, se recomienda utilizar un disparador para no mover la cámara en el momento de apretar el botón del obturador.

El disparador.- El disparador es un accesorio que nos permite efectuar un disparo sin afectar al movimiento de la cámara cuando utilizamos un trípode. Los primeros, y los más utilizados constan de un cable más o menos largo, con un botoncito en un extremo y una rosca en el otro, la cual se insertaba en el pulsador de disparo del obturador.

A estos, les siguieron los disparadores electrónicos por control remoto, que afectaban aún menos al movimiento de la cámara. Éste es el tipo de disparadores que se utilizan en las cámaras SLR automáticas.

En las cámaras SLR hay un modo de tiempo de exposición llamado BULB. Dicho modo permite mantener el obturador abierto mientras se esté pulsando el disparador. Éste es el caso de fotografías nocturnas, de tormentas o fuegos artificiales. En estos casos, y siempre con trípode, es muy recomendable el uso del disparador.

El fotómetro. Existen reglas sencillas, con las cuales podemos calcular los tiempos de exposición. También existen tablas con dichos valores. Y por supuesto, el fotómetro que incorporan las cámaras para medir la luz. Sin embargo, esta medición es falsa, pues la luminosidad que llega a la cámara no es la que incide en el objeto. Por esto, con el fotómetro independiente, sobre todo en retratos, obtenemos una medición real de una zona concreta. En el caso de un retrato lo acercaremos a la cara de la persona a retratar para obtener una medición exacta de la luz incidente en ella. Todos hemos visto a los fotógrafos profesionales, cámaras de televisión, donde es tan importante el cálculo exacto de la luminosidad, utilizar un fotómetro independiente para saber la luz exacta en cada rincón de la escena.

Los filtros.- Los filtros son cristales con los que conseguimos diferentes efectos finales sobre la fotografía. Van montados en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca llamada, precisamente, rosca portalibros y, en algunas cámaras, con enganche a bayoneta. También existe un sistema que utiliza un marco universal que se acopla por medio de una rosca al objetivo. Este es el sistema de Cokin.

Hay filtros que modifican los colores, la luz, el enfoque de la fotografía, el contraste, o incluyen efectos especiales sobre la fotografía. Los filtros podemos clasificarlos en grandes grupos:

-De contraste para Blanco y Negro.
-De corrección color.
-Polarizador.
-De efectos especiales.
-Lentes de acercamiento.

Es importante equipar a todos los objetivos con un filtro UV o skylight ya que protegen los objetivos de los rayos ultra violeta, de los golpes y del polvo, además, no tienen efecto negativo sobre la exposición ni los colores, al contrario, contrastan algo los colores. Los filtros de contraste para blanco y negro contrastan más algunos colores de forma que no queden grises en la imagen en blanco y negro, y así destaquen sobre otros colores. Los filtros de corrección del color modifican el color de la imagen. Existen filtros de varios colores que se pueden combinar para colorear zonas de la imagen. Los de efectos especiales crean efectos de niebla, difuminado, viñetas, estrella, etc. Los filtros de estrella resaltan los reflejos, por ejemplo, el de una copa, dejándolo con forma de estrella.

El polarizador- El filtro polarizador reduce reflejos indeseados de superficies como agua y ventanas. También proporciona al color más profundidad e intensidad, oscureciendo el azul del cielo e incrementando la saturación del color en toda la escena. El polarizador consta de dos cristales. Al enroscarlo en el objetivo el cristal interno queda fijo, permitiendo girar el cristal externo. Según se gira el cristal externo los reflejos van reduciéndose.

SIN POLARIZADOR

CON POLARIZADOR

El polarizador puede ser útil también para la fotografía en blanco y negro, haciendo los tonos más contrastados.

(*1903 St. Louis, - 1975 New Haven/Connecticut). Primero se dedicó a estudios literarios y lingüísticos en diversos colegios y en la Sorbona de París (1926).  En 1928 se hizo fotógrafo profesional. Tienen importancia sus trabajos fotográficos sobre arquitectura sudamericana y sobre el arte africano (19351939).  Evans también perteneció al grupo de los fotógrafos de la FSA, a la que pertenecían, entre otros, Dorothea Lange, Russell Lee, Port Walcott y Arthur Rothstein. De 1935 a 1943 produjeron más de 270 000 fotografías. Evans trabajó para el "Time" y fue cofundador y redactor de la revista "Fortune" (1946).  Siguieron varias exposiciones en el museo de Arte Moderno, Nueva York; en 1965 Evans ganó una cátedra en la Yale University, New Haven/Connecticut.

Publicaciones:         The crime of Cuba. 1933   American Photographs. 1975       Photographs for the Farm Security         Administration, 1935 -1938. 1973.

Bibliografía:  Sweeny, African Negro Art. 1935 - Szarkowski, W.E. 1971.

Fenton, Roger

(*1819 Heywood/Lancashire, a 1869 Londres). Cursó estudios de arte con Paul Delaroche (París, 1841). Además era fotógrafo aficionado. Siguió una carrera de derecho en Londres, donde se estableció finalmente como abogado. En 1847 fundó un club de aficionados, con el objetivo de mejorar el procedimiento del calotipo. En 1852 emprendió la primera expedición fotográfica de la historia (Rusia), cuyo éxito le decidió a hacerse fot6grafo profesional. En 1853 fundó la Photographic Society of London, que luego sería la Royal Photographic Society of Great Britain. En la cumbre de su creación llegó a ser fotógrafo de la corte. Se le atribuye el primer reportaje de guerra de la historia (guerra de Crimea).Bibliografía:  Gernsheim. R.F., Photographer of the Crimean War. 1954-1. Hannavy, R.F. of C'rimble Hall. 1975.  

Finsler, Hans

(*1891 Zurich, a 1972). Estudió arquitectura e historia del arte. Desde 1921 trabajó como historiador de arte en la Kunstgewerbeschule de Halle.  Además comenzó a fotografiar. Finalmente desarrolló los principios y el estilo de la llamada nueva fotografía objetiva. Su creciente interés por la fotografía le llevó a crear en 1927 una clase. Después le llamaron de Zurich, donde fue profesor de fotografía de 1932 a 1955 en la Kunstgewerbeschule. Se le consideró uno de los profesores más importantes de Suiza en dicha materia.

Hallensleben, Ruth

(*1898 a 1977 Colonia). Trabajó primero como asistente social en Cassel. Tras un aprendizaje de fotografía se independizó en 1934 en Colonia.  Sus principales campos de trabajo, desusados para una mujer, estaban en la industria pesada y la construcción, Fue la primera mujer que bajó a las minas a hacer fotografías. Desde 1961 vivió y trabajó en Wuppertal.  Hizo libros ilustrados sobre la Baja Renania y Colonia.

Heartfield, John

(en realidad Helmut Herzfelde; *1891 y t 1968 Berlín).  Impresor de profesión. Junto a Raoul Hausmann, Richard Huelsenbeek y George Grosz fue uno de los principales representantes del dadaísmo de Berlín. Creó fotomontajes satíricos y agresivos contra la guerra, contra el capitalismo y el nacionalsocialismo. Sus publicaciones aparecieron principalmente en el "Arbeiter-Illustrierten-Zeitung". Trabajó provisionalmente como escenógrafo con Max Reinhardt y Erwin Piscator. Emigró en 1933, regresó en 1950 a la DDR.

Publicaciones:         Krieg im Frieden. 1973.

Bibliografía:  J.H. 1974 - W. Herz Felde, J.H. Leben und Werk. 1976.

Henneberg, Hugo

(* 1863 Viena, a 1918). Estudios de física, química, astronomía y matemáticas en Viena.  Después de hacer aguafuertes y xilografías, colaboró fotográficamente con Heinrich Kühn y Hans - Watzek (conocidos como "El Trébol"). Inventaron juntos la impresión combinada, una impresión a la goma en color sobre papel con texturas, e influyeron con su escuela de Viena en el estilo de la fotografía artística del cambio de siglo

Hill, David Octavius

(*1802 Perth/Escocia, a 1870 Edimburgo). Fue pintor paisajista e ilustrador de libros. En 1843 obtuvo el encargo de fotografiar a toda la primera asamblea general de la Free Church of Scotland, que tenía más de 400 miembros. Fotografió a todos ellos y utilizó estas tomas como modelo para hacer la fotografía de grupo¡ Hill trabajó con Robert Adamson (1821-1848). En los pocos años de su colaboración, hasta la muerte de Adamson, hicieron más de 1500 calotipos, retratos, fotos de grupos y de paisajes. Tras la muerte de Adamson, Hill volvió a la pintura.Publicaciones:         D.0.H. y Adamson, Inkunabein der Photographie.1963 - D.0.H. y Adamson, The Hill Adamson Albums. 1973 - D.0.H. y Bruce, Sun pictures. 1973 D.0.H. y Adamson, Ovenden, Henderson, Hill and Adamson photographs. 1973 - D.0.H. Adamson, Ford, Colin and Boy Strong. 1974. 

(*1874 Oshkosh/Wisconsin, a 1940 Hastings-on-Hudson, Nueva York). Estudió pedagogía y sociología (1898 a 1900). Primero fotografió de forma autodidacta, pero en 1908 dejó su profesión para dedicarse íntegramente a la fotografía. Se le considera pionero del periodismo gráfico comprometido. Sus temas fotográficos eran la guerra y los reportajes de crítica social, entre ellos documentales sobre trabajo infantil en minas y fábricas.

Bibliografía: I. W.. Gutman, L. W.H. 1874 a 1940. 1974.

Itten, Johannes

(*1888 Schwarzenberg, a 1967 Zurich). Pintor y pedagogo. De 1919 a 1923 trabajó en la Bauhaus de Weinar. Itten desarrolló una teoría del color, que tuvo amplia difusión. Abrió en Berlín una escuela de arte propia y más tarde también en Krefeid.  De 1919 a 1938 influyó sobre los fotógrafos de la Bauhaus y sobre lo que se llamó nueva fotografía. En 1938-1954 ejerció en Zurich como director de la Kunstgewerbeschule, de la escuela textil, del museo Rietberg y del de industria. Tras su jubilación (1954) volvió a trabajar como pintor.

Publicaciones:         Kunst der Farbe. 1961 - Meín Vorkurs am Bauhaus. 1963.

Jackson, William Henry

(* 1843, a 1942). Uno de los primeros fotógrafos paisajistas importantes de América. De 1870 a 1877 fotografió vistas geológicas para ocho gobiernos federales. Sus fotografías de la región del Yellowstone fueron decisivas para que los miembros del senado y de la House of Representatives declararan en 1872 esta región como primer parque natural de EE.UU. También tienen importancia histórica sobre todo sus fotos de las colonias de indios del Oeste. A diferencia de los paisajes pintorescos, habituales en Europa por entonces, sus tomas se caracterizan por la sencillez y la claridad formal.

Bibliografía:  Newhall, W.H.J. 1974.

Kaesebier, Gertrude

(*1852 Des Moines/Iowa,a 1934 Nueva York). Durante su formación como pintora de retratos aprendió a fotografiar, a lo que finalmente se dedicó corno profesión. Se hallaba bajo la influencia de Alfred - Stieglitz, que publicó sus fotos en "Camera Work". Fue cofundadora de la Photo-Secession (1902) y miembro del Linked Ring de Nueva York, al que pertenecían los fotógrafos artistas americanos más importantes. En 1910 se separó de Stieglitz y fundó un grupo propio rivalizante, el Pictorial Photographers of America dunto con Clarence White y A.L.-Coburn).

Kertész, André 

(*1894 Budapest). Comenzó a fotografiar a los 18 años. Ya sus primeras fotos del país y las gentes de Hungría muestran una fuerte individualidad interpretativa. En 1925 se trasladó a París, donde trabó amistad con pintores y escritores. Perfeccionó su estilo fotográfico en reportajes para las revistas "DU", "Frankfurter Illustrierte" y "Berliner lustrierte Zeitung". En 1936 pasó a Nueva York, donde trabajó para grandes revistas: "Look", "Vegue", "Harper's Bazaar", etc. La cima de su carrera: en 1945 el museo Guggenheim de Nueva York organizó una gran exposición de su obra, que lo dio a conocer al gran público. Siguieron otras muchas exposiciones y sobre todo libros ilustrados. Kertész tiene una impronta inconfundible, que se ha mantenido hasta hoy como en casi ningún otro fotógrafo. Su estilo está marcado por el ingenio, la sensibilidad y el humor.

Publicaciones:         Paris vue par A,K. 1934 (ed.  Mac Orlan) - A.K. Photographer. 1945 (ed.  Szarkowski) A.K. 60 Jahre Fotografie, 19121972. 1972 (ed.  Ducrot) - J'aime Paris. 1974 - New York Discovered. 1975 A.K. 1976.

Kühn, Heinrich 

(*1866 Dresde, t 1944 Brigitz/Tirol).  Después de estudiar medicina y ciencias naturales en Innsbruck,

se encaminó hacia la fotografía.  A través del Wiener Camera Club llegó a colaborar con Hugo - Henneberg y Hans - Watzek.  Los tres fotógrafos firmaban sus trabajos con el nombre de El Trébol (Das Kleeblatt).  En 1897 desarrollaron juntos la impresión policroma a la goma. Heinrich Kühn pasa por ser uno de los fotógrafos de paisajes y retratos de mayor éxito de Austria, habiendo influido en el estilo de la fotografía artística austriaca.  Fue miembro del renombrado Linked Ring y cofundador de la Wiener Schule.

Publicación: H.K., 1866-1944. 1976.

Lange, Dorothea

(*1895 Hoboken/Nueva Jersey, t 1960 San Francisco).  Estudió pedagogía y se formó como fotógrafa en la Columbia University de Nueva York.  En 1919 abrió un estudio de retrato en San Francisco.  En la época de la recesión económica fotografió a los parados en las calles y en sus barrios.  Se hizo miembro del grupo F/64 (1932).  De 1937 a 1942 trabajó, como miembro del famoso team de fotógrafos ESA, por encargo del gobierno de EE.UU., en una documentación fotográfica de las condiciones sociales de vida de los campesinos en los estados del sur.  Después de 1945 fotografió informes gráficos de documentación social para "Life" y otras revistas, sobre todo referidas a Asia y el Oriente Próximo.

Lartigue, Jaeques-Henri

(*1894 Courbevoie).  A los siete años de edad le regalaron una valiosa cámara. Ya en sus primeras fotos mostró un talento inusitado.  Fotografiaba automóviles, cometas y aviones. Es notable que le interesaran sobre todo objetos móviles. Estas fotos mostraban a veces efectos de barrido y distorsiones de perspectiva, que Lartigue mantenía intencionadamente a favor de la representación de un acontecimiento vivaz. En 1915 comenzó a pintar en París. La fotografía, que practicaba además, siempre la tuvo como hobby. Lartigue trataba con famosos artistas, a quienes debió muchas sugerencias (van Dongen, Guitry, Coeteau, Chevalier y Picasso). Más tarde le interesó sobre todo el cine. Éste y su entusiasmo por el deporte se expresan en muchas de sus fotos hechas en los años 30 y 40. El museo de Arte Moderno de Nueva York honró la obra de este fotógrafo francés aficionado en 1963 con una gran exposición.

Publicaciones:         Portfolio J. - H.L. 1972 (ed.  Anais Nin) - J. - H.L. and Women. 1973 Das Fest des grossen Rüpüskül. 1973 - L. 8 x 80. Catálogo. 1975.

(*1903 Hamburgo, a 1974 Munich).  Estimulado por Andreas Feininger, comenzó a fotografiar en 1930.  Abandonó Alemania en 1936 y trabajó para "Harper's Bazaar", "Life" y "Verve". Sus fotos eran deslavazadas, distantes, muchas de

impronta surrealista. Ya en los años 30 se adelantó a lo que actualmente se considera en gran medida como novedad en las fotografías de Ralph Gibson y Les Krims. También despertó un gran interés su serie de fotos sobre Munich destruida (1946).

Publicación: Photographien von 1930-1970. 1976.

(*1838 Turas/Máhren, a 1916).  Físico y filósofo, enseñó en Graz, Praga y Viena.  Mejoró la fotografía estroboscópica, que se empleaba para la observación de proyectos de objetos voladores. En 1884 utilizó por vez primera las descargas eléctricas como fuente luminosa. En 1888 experimentó con tomas con acelerador. Dio su nombre al número mach, unidad de medida de la velocidad del sonido (1 mach = 331 m/s en el aire).

MacPherson, Robert

(*1811 Edimburgo, a 1872 Roma). Desde 1840 vivió como pintor y comerciante de arte en Roma. Comenzó a fotografiar a los 40 años de edad (1851). La importancia de su obra fotográfica está en el campo de las fotos de arquitectura; fotografiaba sobre todo edificios y obras romanas antiguas.  Sus excelentes fotografías de esculturas del Vaticano se incluyeron en la "Guía artística" que se publicó en 1863. En el campo técnico de la reproducción MacPherson inventó el proceso de la fotolitografía, a la que dio aplicación práctica en la reproducción de sus propias fotos.

Man, Félix H.

(en realidad Hans Baumann; *1893 Friburgo). Después de regresar de la primera guerra mundial, Man estudió en la Kunstgewerbeschule de Munich. En 1929 adquirió una cámara Ermanox. Con ella hizo los primeros reportajes gráficos para la "Münchner Illustrierte Presse".  En 1929 le nombraron director de producción de la sección de informes gráficos del Deutschen Photodienst (Dephot) (Servicio Alemán de Fotografía). En los dos años siguientes hizo más de 80 informes sólo para la "Münchner Illustrierte Presse", cuyo redactor jefe era Stefan Lorant.  Llamaron la atención sobre todo las entrevistas fotográficas de Man a artistas, escritores y políticos importantes (Lieberrnann, Shaw, Slevogt, Strawinsky, Mussolini). En 1943 se trasladó a Londres y trabaja como reportero jefe en el "Picture Post". En 1948 publicó el primer reportaje en color ("Picture Post") y en 1951 un gran reportaje en color sobre el Festival of Britain ("Life").

Miserachs, Xavier

(*1937 Barcelona). Estudió en la Facultad de Medicina hasta que, a un mes de su graduación, decidió dedicarse a la fotografía, En 1954 ganó el Premio Luis Navarro de Fotografía Moderna, convocado por la Agrupación Fotográfica de Cataluña. Junto con Ricard Terré y Ramón Massats expondría en los locales de la susodicha agrupación en 1958, repitiendo la exposición al año siguiente en la Sala Aixelá de Barcelona. Su precoz carrera seguiría con la publicación en 1964 del libro "Barcelona, blanco y negro" y en 1966 de "Costa Brava Show".

Establecido profesionalmente, destacaría tanto en el campo del reportaje como en el de la fotografía publicitaria y de modas.

Una imagen que recupera las características  rasgos, esencia de alguien. 

Una imagen que plasma características rasgos físicos.  

Fotogeniaà

Las imágenes  tienen indiciosen lo que es el retrato.  

El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les favorecían. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los retratos de Constantino I el grande y Teodosio I. Los retratos que realistas reaparecienon en la Alta Edad Media, en Burgundia y Francia.

En Occidente uno de los retratos más famosos es La Gioconda de Leonardo da Vinci, que es de hecho el retrato de una mujer desconocida.

Retrato psicológico ß tiene que ver con lo que se pensaba 

La fotografía vienen de la pintura de antes que era (se utilizaba) para ser permanente, tiene que ver con la mortalidad 

La fotografía hace  que muera la persona por el momento  que es capturado el instante Los retratos fueron las primeras fotografías La foto declara la independencia junto a la pintura.

MI AUTORRETRATO

Géneros fotográficos en el siglo XIX

El siglo XXI para la Fotografía

PRECURSORES DE LA FOTOGRAFÍA 

Una de las fases por las que paso la evolución  de la sociedad, fue el retrato fotográfico ya que fue “el pase” a tener un ascenso  en las amplias capas de la sociedad, para adquirir un mayor significado tanto socialmente como políticamente. 

Mandarse hacer el retrato era uno de los actos simbólicos mediante el cual los individuos de la clase social ascendiente manifestaban su ascenso, su nuevo poder dentro de la sociedad. El retrato fotográfico era un grado final de la evolución del la sociedad, como llegar a lo más esplendoroso del momento. 

1750, comienza a esbozarse, por impulsos sucesivos, la subida de las clases medias en el mismo interior del aparato social que hasta ahora reposaba sobre una base aristócrata. El retrato privilegio de algunos círculos, se somete, con el desplazamiento social, a una democratización.

 La moda del retrato comienza a extenderse en los medios burgueses. 

El pintor retratista se veía enfrentado a una doble tarea: imitar en sus retratos el estilo a la moda de los pintores cortesanos y suministrar retratos a precios que se ajustaran a los recursos económicos de esa clase. 

La nobleza era una clientela difícil. Exigía un oficio perfecto, el inventor intentaba evitar los colores francos y los sustituía por tonos más delicados. La tela ya no era lo único de importancia; sin embargo hacían falta materiales mas apropiados para los efectos de terciopelo y seda. 

El retrato miniatura, tomo ahora diferentes formas como la de tapas de polveras, dijes etc. por la capa ascendente de la burguesía. 

Buen número de miniaturistas se ganaban la vida tras haber ejecutado en un año de treinta a cincuenta retratos, que cobraban a precios módicos. 

El fotógrafo podía, a un precio diez veces menor, suministrar retratos que no solo se ajustaban a los medios de la vida burguesa por su baratura, sino que además respondían a los gustos de la burguesía.

 En tiempos de Luis XIV habían inventado un nuevo procedimiento para hacer retratos, lo cual dio origen a un oficio que muchas personas hábiles ejercieron en todas las fiestas de cierta importancia. Los propios artistas comenzaron a ejercer un  nuevo género de retratos, la  silueta, la utilizaron para perfeccionar las formas recortadas retocándolas y grabándolas con una aguja. 

La silueta es una forma abstracta de representación, que sirve para designar por extensión toda figura colocada de perfil, el retrato-silueta no exige ningún estudio de dibujo. La invención de la silueta provoco el nacimiento de una nueva técnica, popular en Francia, entre 1786 y 1830, conocida bajo el nombre de fisionotrazo.

 En 1786, consiguió inventar un aparato que consistía en mecanizar una técnica de grabado y permitía  ganar bastante tiempo. Así que no solo se cambiaba  la silueta si no también la forma de trabajar siendo así la invención de dos modos distintos. 

El fisionotrazo se basaba en el principio tan conocido del pantógrafo. Se trataba de un sistema de paralelogramos articulados susceptibles de desplazarse por un plano horizontal. Un estilete entintado seguía los desplazamientos del primer estilete y reproducía el dibujo a una escala determinada por su posición relativa. Exgrabadores y extintores de miniaturas adoptaron la nueva técnica y no tardaron en perfeccionar su técnica y realizaron pequeños retratos sobre madera, medallones, retratos sobre marfil.

 Las imágenes obtenidas mediante fisionotrazo reducían cada vez mas las probabilidades de éxito del pintor de miniaturas y del grabador. El único valor del retrato mediante fiisionotrazo reside en su carácter documental, gracias a ello una gran porción de la burguesía pudo tener acceso al retrato.

  LA FOTOGRAFIA BAJO LA MONARQUIA DE JULIO (1830-1848) 

15 de junio de 1839, diputados de la cámara adquirieron el invento de la fotografía y lo hicieron publico, gracias a ello ingresaba en al vida publica.

  El numero de hiladoras mecánicas creció de 446 000 en 1828 a 819000 en 1851; el numero de tejedoras mecánicas que en 1825 solo era de 250, alcanzaba ya 12 128 en 1851. Por el contrario, basto que comenzaran a prosperar la industria y el comercio para que la pequeña burguesía ganase terreno y amplias capas de la burguesía media se convirtieran en pilares del orden social. 

No obstante, de igual forma que la moda arranca en su planteamiento de las capas superiores de la sociedad, siendo adoptadas por ellas antes de bajar poco a poco a las capas inferiores, igual ocurrió con la fotografía. la forma de gobierno era una monarquía constitucional.

La fe en la posibilidad de desarrollo intelectual y moral del ser humano es lo que define el espíritu liberal. En 1824, Nicéphore Niépce invento la fotografía, gracias a eso se obtenían sobre papel los contornos de esos objetos, enmarcados por los contrastes de negro y blanco; no tardaba en desaparecer la imagen, pues aun se desconocía el secreto de la fijación,  importada a Francia en 1814, sugirió a Niépce le sugirió la invención de la litografía. Pero dicho invento era muy primario. 

El pintor Daguerre, quien por su invento del diorama había llegado al estudio de los efectos luminosos, el merito de haber perfeccionado el procedimiento descubierto por Niépce hasta el punto de volverlo accesible a todos. El comerciante de 1830 se limitaba a negocios para poder prever con plena seguridad y los cursos de la bolsa no eran todavía el barómetro de la riqueza. 

Cuando la fotografía se toma de dominio publico, comienzan a surgir inventores que  reclamaban el merito de  la invención. El nuevo invento había despegado la atención y el interés de casi todos los medios sociales pero su imperfección técnica y los gastos que requería en sus principios solo la hacían accesible, de momento, a la burguesía acomodada. Únicamente unos pocos aficionados ricos y algunos sabios podían permitirse ese lujo. 

Los perfeccionamientos 4empezaron por la óptica. En 1839, año de la invención de la fotografía. 

 LOS PRIMEROS FOTOGRAFOS

 El descubrimiento de la fotografía origina crisis y catástrofes. Su nacimiento significa progreso, está empezó una evolución, el arte del retrato donde quedo totalmente desbancado. Los artistas perdieron sus medios, de entre ellos salieron los primeros que se dedicaron a una nueva profesión. 

En los primeros tiempos del retrato fotográfico, manifestó un hecho extraordinario de interés.Cuando poseía una técnica primitiva, goza de un acabado artístico. La actividad de los primeros artistas fotógrafos se ejerce los diez primeros años precedentes de su industrialización .

Los primeros fotógrafos tenían pretendían de hacer arte, trabajaban para si mismos, salían de un ambiente de bohemia, de talentos regulares y mediocres que se inclinaron hacia el nuevo oficio que prometía una subsistencia mejor. 

A principios de la segunda mitad del siglo, la técnica se había completado lo bastante para no exigir profesionales unos conocimientos especializados. 

Se publicaron manuales de fotografía, accesibles y que se podían instalar en un taller fotográfico. El retrato seguía desarrollándose, según dos direcciones opuestas una que provocaba un ascenso y la otra un declive. Los fotógrafos mas distinguidos de esa época fue el dibujante, caricaturista, escritor y aeronauta Feliz Tournachon que en 1853 abrió un taller fotográfico, era librero, editor e impresor.

 Tenia influencia en los ambientes de la buena sociedad, estudió en el colegio Bourbon, colaboro con el Journal Et Fanal De Commerce. La industrialización se dejaba sentir en las esferas del arte. La transformación que fue objeto de la literatura, se hizo notar primero en la prensa, incremento la publicidad. 

Gracias a la instrucción, democratizada por la revolución burguesa, el arte dejo de ser el privilegio de algunos nobles o grandes burgueses cultivados. Cuatro años después que l fotografía pasara al dominio del publico, apareció por primera vez en Paris; la bohemia. 

En 1849, se funda la Revue Comique que hace caricaturas humorísticos primera clientela se recluta en la burguesía y sobre todo entre los artistas y los intelectuales. La superioridad estética reside en la importancia preponderante de la fisonomía teniendo en cuenta el nivel en que se hallaba la técnica, el éxito del retrato aun dependia en gran parte del esfuerzo del propio modelo. 

Los retratos de Nadar son representativos del estilo de la primera época, junto con las de Carcaj, Robinson, Le Gray etc.  Después una segunda época del estilo fotográfico, los fotógrafos tuvieron que adoptar su oficio al gusto del nuevo público constituido por la burguesía rica.  

El nombre de Nadar, alcanzo que sus ganancias comenzaran a ser considerables. Después se le ocurre tomar fotografías en globo, donde tuvo que adecuar una cámara oscura en la barquilla para poder preparar las placas antes de la exposición; esta experiencia produjo un gran revuelo, recibió el nombramiento de comandante de una compañía de aeróstatos, construyó un gran aeróstato al que bautizo con el nombre de “Le Geant”.  

En esa primera época de la fotografía hay que añadir a David Octavius Hill, el consiguió obtener en Inglaterra unas imágenes fotográficas de una belleza. Hill recibió el encargo de plasmar para siempre sínodo, era muy mal retratistas, así que decidió usar la fotografía.

 El procedimiento fotográfico que se conocía en Inglaterra era la catalopia.  

LA FOTOGRAFÍA BAJO EL SEGUNDO IMPERIO (1851-1870) 

En 1850, Francia sufre una alteración en su evolución social y económica que repercutió en la manifestación de las nuevas necesidades de las capas ascendientes.

A esos años corresponde el nacimiento de los grandes almacenes. Los efectos de la política económica, repercutieron en la pequeña burguesía. Esas capas burguesas proporcionaron al retrato fotográfico una nueva clientela y la tarea principal consistía en satisfacer ese afán de presentación. 

En 1855, la gran exposición del palacio de la industria incluía una sección especial de fotografía, en dicha exposición suponía el aviso de su desarrollo industrial y que hasta entonces, la fotografía no había trascendido más que a un círculo limitado. La primera sociedad fotográfica fue la “Société Héliographique” fundada en 1851. la fotografía comienza a penetrar en un vasto publico.

 La gente se apiñaba ante las fotografías del escultor Adam Salomón que exponían personalidades de la política. Las preferencias recaía sobre los grandes formatos; las fotografías solían alcanzar casi medio metro de altura, y su realización evidenciaba una extraordinaria preocupación. El oficio del fotógrafo atraía sobre todo, por los escasos conocimientos, la fotografía debía seguir unas vías de desarrollo muy distintas. 

   LOS MOVIMIENTOS Y LA ACTITUD DE LOS ARTISTAS DE LA ÉPOCA CON RESPECTO A LA FOTOGRAFÍA. 

La fotografía, nacida de la cooperación de la ciencia y de nuevas necesidades de expresiones artísticas, fue objeto de violentos litigios en el momento de su aparición.

 La iglesia también tomo posición; muy hostil al principio, inspiro a un periódico alemán el siguiente párrafo: “ querer fijar reflejos fugaces no solo es una imposibilidad, tal como ya han demostrado experiencias muy serias realizadas en Alemania sino que ese querer linda con el sacrilegio. 

La transformación social y económica que se opero en el seno de la burguesía del siglo XIX, tuvo por consecuencia un desplazamiento de los estados de conciencia. La opinión adversa pretendía que la fotografía apenas era capaz como máximo de proporcionar una labor mecánica que no tenia ninguna afinidad con el arte. Es evidente que la fotografía, no hubiese llamado tanto la atención en los medios artísticos. 

En 1853, Henry Monnier intentaba, en las Scenes Populaires, la descripción de una exactitud en cierto modo fotográfica y taquigráfica de la vida burguesa.

 En 1855, ya se discutía públicamente acerca de una nueva tendencia artística, cuyo nombre era realismo. La fotografía celebrada su advenimiento en el marco de la exposición mundial de 1855. 

Censuran la imaginación como algo no objetivo, la admiración que el artista profesa por la naturaleza no tiene limites.  Los realistas exigían del pintor que se eclipsara modestamente detrás de su caballete. Esa exigencia encuentra su realización en el taller del fotógrafo.

El fotógrafo se halla ligado a una realidad muy definida pudiéndola corregir pero no transformar. Los relistas, a pesar de su programa, se negaban a considerar la fotografía como un arte, tanto que en 1850, representaban la crítica de arte oficial, atacaron intensamente a los naturalistas.

El artista que vivía del retrato, veía como disminuían sus encargos de día en día; el gran culpable era la fotografía y no ha de extrañarnos que la mayoría de un artista, en especial aquellos que de mediano talento, manifestaran una profunda hostilidad por esa moda que no cesaba de ganar terreno. Los primeros pintores del término medio fueron los primeros en poner prácticamente en valor la fotografía. La pintura resultante se volvió celebre bajo el nombre de “El emperador del quepis” .

El fotógrafo Visón, al comercializar el imperial cliché, alcanzo una gran tirada y a medida que se multiplicaba el retrato, empequeñecían sus dimensiones.  

EXPANSIÓN Y DECADENCIA DEL OFICIO DE FOTOGRAFO (1870-1914) 

La mayoría de los artistas le negaron a la fotografía la dignidad de obra de arte. Los fotógrafos, e oposición a los artistas, se mostraban unánimes: la fotografía se relacionaba con el arte y no con la industria. 

En 1864, veinticinco revistas especializadas aparecen en seis países distintos. Se fundan casi otras tantas sociedades fotográficas. Tales hechos demuestran el impulso que va adquiriendo la fotografía.

 En 1860, el público sentía aun un particular interés en poseer la fotografía de cualquier celebridad.

 En 1860 no existía en Francia ninguna ley especial sobre la fotografía. 

El formato tarjeta de visita servía particularmente para poner en circulación ciertas imágenes que no siempre parecían coincidir con las reglas de la decencia burguesa.

 En 1850, se promulgo una ley que castigaba la venta de fotografías obscenas en la plaza pública como delito de ultraje a la moral y a las buenas costumbres. El retrato de retratista fotógrafo cobro un gran impulso en las últimas décadas del siglo XIX. 

A finales de siglo aparecen aparatos de manipulación más fácil. Fue la celebre divisa de Kodak que revolucionaria de arriba abajo el mercado de la foto. La fotografía aficionada adquiere un gran impulso y a finales del siglo, los grandes almacenes comienzan a producir fotografías aun mas baratas y se convierten en una peligrosa competencia para el fotógrafo de oficio.

Thomson, John

(*1837 y a 1921 Londres).  Investigador escocés y fotógrafo, miembro de la Royal Geographic Society.  Fue uno de los pioneros del periodismo fotográfico.  En 1865 viajó a China y en 1867 publicó las fotografías que tomó allí en "The Antiquities of Camboya".  Cinco años después publicó más resultados de sus investigaciones fotográficas en el libro Ilustrations of China and its people.  Estas fotografías mostraban por vez primera escenas callejeras de China, tipos humanos y sobre todo las condiciones sociales reinantes.  Thomson fue además uno de los primeros representantes del retrato en vivo.  Fotografió ya en 1880 a personalidades de fama, solo en el estudio, sino buscándolas con la cámara hasta en sus casas.

Umbo

(seud. de Otto Umbehr; * 1902 Dusseldorf).  Primero fue minero, alfarero, actor y tallista.  Estudió de 1921 a 1923 en la Bauhaus en Weimar.  A continuación se trasladó a Berlín y se hizo asistente de cámara y de dirección de cine.  Especialidad: confección de fotomontajes.  En 1928 fue cofundador del Servicio Alemán de Fotografía (Dephot) en Berlín, la primera asociación de fotógrafos libres.  Fue uno de los principales reporteros gráficos.  También después de 1945 volvió a trabajar como periodista y finalmente se dedicó a la enseñanza de la fotografía en la escuela técnica de Hildesheim.

Bibliografía: Gidal, Deutschland  Beginn des modernen Photolournalismus, 1972.

(*1848 Bilin/Austria, a 1903 Viena).  Estudió en las academias de arte de Leipzig y Munich.  Profesor de dibujo y modelado, se tituló como profesor y escribió un tratado sobre las cuestiones de fisiología de la visión en comparación con la fotografía.  Desde 1896 trabajó como fotógrafo con Heinrich - Kühn y Hugo - Henneberg.  Hicieron impresiones a la goma y descubrieron la llamada impresión combinada, una impresión policroma a la goma.  Preferían las cámaras de gran formato y copiaban sus negativos sobre papel muy rugoso.  Las fotos producidas conjuntamente las firmaban bajo el nombre Das Kleeblatt (El Trébol).  Como representantes de la escuela  vienesa, Watzek y sus amigos crearon un estilo en el campo de la fotografía artística.

Weber, Woffgang

(* 1902 Leipzig).  Estudió etnología, filosofía y música en Munich.  En 1925 hizo un viaje de estudios al África oriental.  A su vuelta se dedicó cada vez más al periodismo fotográfico.  Trabajó para la "Berliner Illustrierte Zeitung".  Durante la guerra creó reportajes de especial importancia, pues informaban sobre los frentes enemigos desde la posición de un observador objetivo.  Después de 1945 fue reportero jefe de la "Neuen Illustrierten", para la que viajó a las zonas más críticas del mundo.  Desde 1964 trabaja para la televisión alemana.

(*1886 Highland Park/Illinois, a 1958 Carmel/California).  Se inició como fotógrafo ambulante y abrió en 1911 un estudio de retratos en Trópico/California.  Cultivó al principio el estilo de salón habitual de la época, y además trabajó para exposiciones.  En 1923 conoció en Méjico al pintor Diego Rivera, que influyó mucho en su creación fotográfica.  Le llevó a variar su campo de intereses formales y a una reorientación de su estilo fotográfico.  Empezó a preferir motivos naturales a distancia corta y bodegones, aun tras su regrEeso a California (1927).  Weston fotografiaba plantas y formas naturales en composiciones rigurosamente formales, en las que se manifestaba una tendencia a la abstracción.  Una de las más conocidas es una foto de un pimiento, que parece una escultura abstracta.

En 1932 se hizo cofundador del grupo F/64.  Fue el primer fotógrafo que obtuvo una beca Guggenheim en 1937.

Wolff, Paul

(*1887 Estrasburgo, a 1951).  Primero estudió medicina y en 1926

hizo las primeras fotografías profesionales con una Leica.  Fue pionero de la fotografía de pequeño formato y esto le procura el reconocimiento en los campos de la fotografía profesional y el periodismo gráfico.  Sus fotos, publicadas en varios libros, influyeron mucho en la moderna técnica del pequeño formato.

Como funciona el cerebro -- palabras claves

Conciencia

Mente

No definición

Reflexión

Lugar---- Tiempo--- Espacio

Cerebro

Corteza célula nerviosa

Redes neuronales

Clasificación   del cerebro

Zona  Asociación

Tacto

Vista

Neurotomía

Neura adrenalina

Analogías

Conciencia Visual

Inmadures Visual

Visión en el sistema sensorial

 1.- Los estímulos procedentes del mundo2.- Los productos culturales visibles, no fabricados por el hombre         a) productos no destinados a la com. Visual (edificios, vehículos, armas, trajes o uniformes)         b) Productos creados para la com. Visual. (La escritura pictográfica, fonética, Mat., etc.)    

Las imágenes Icónicas 

3.- proviene de lo natural  y lo cultural. Proviene de la expresividad gestual y el soporte de este. Las palabras  que se refieren a sujetos, objetos,  cualidades relaciones o acciones de tipo generico o categorial. 

Ejemplo:

 El/ perroVerbal

 Las imágenes se refieren a sujetos, objetos, cualidades, relaciones o acciones que al individualizarse de las características, tendencias icónicas precisan de la representación.      

Diferencias entre representación teórica y lenguaje verbal

La imagen como recurso instruccional

Imagineria

 Es un proceso psicológico, por medio del cual puede preservar como imágenes positivamentePueden ser consideradas como representaciones internas susceptibles de visualización. Aunque pueden asociarse a una modalidad acústica. 

La imagen mental resultante es un producto que podemos testimoniar y cuyas características podemos verbalizar y describir e incluso identificar y reconocer. 

Desde este concepto podemos identificar diferentes técnicas entre imaginación e imaginaria.

 Imaginación  

La generación de imágenes puede desencadenarse de manera espontánea y fluir libremente sin que haya una especie de control o regulación voluntaria. 

En el mundo de la transformación mental  lo que se transforma es la información. La afirmación central es que  ver, escuchar, imaginar y recordar, son actos de construcción, que pueden hacer más o menos uso de la información del estimulo. 

La belleza esta en el ojo del observador  no en el objeto que mira, aunque sería  más  preciso decir que es el cerebro  y no el ojo, el órgano mas importante en esta apreciación  que situar  el problema cognoscitivo.

3 factores que determinan la imaginaria 

• Personas. Algunas son más hábiles que otras para organizar,  experimentar y reportar, la creación de imágenes.
• Materiales. Algunos son mas apropiados para el ver imágenes.
• Tareas y contextos que se manifiestan por ejemplo: en el recuerdo u operaciones requeridas.

 Imagineria 

Es una herramienta del pensamiento útil para la memora y la comprensión. 

Será útil solo si  tiene  valor para la tarea o instrucción  diseñada. Ayuda a despertar conocimiento de otras épocas para construir nuevos  conocimientos.

 La imagen se construye como construcciones estables de información reunida por ciertos números instantáneos organizados en estructuras como redes de representaciones internas. 

Imagen Retinal

 La imagen visual como representación interna no corresponde a la imagen retinal.

El cerebro; el mundo de la experiencia es producto por el ser humano que no experimenta

 Con el mismo gusto, placer  y resignación, supo manejar su vida tan ajetreada por la fotografía, con tan solo 14 años de edad Eleazar Escobar fue uno de los jovenes más atrevidos, responsables y muy buen hermano de 11 retoños en la familia.  

Quien para él la fotografía resultaba solo un juego, hoy se convierte en su trabajo de todos los días. 

Por juego del destino comenzó a conocer la fotografía y  logro hacerse uno de los mejores fotógrafos de la Ciudad de Hermosillo. 

Escapando de su casa, llegó a la ciudad de Hermosillo Sonora y por  coincidencia entrar a oficina del periódico “Nacional”, a pedir agua,  lugar donde  tomo su primer curso  fotográfico, impartido por el fotografo Salvador Arvizu, y donde terminando con buenos resultados se le proporciono su primer cámara Nikon fm2  la cual utilizo para comenzar su labor  de fotógrafo, dentro de este medio. 

Comenzando la preparatoria y entrando al periódico Nacional como honorario, por no tener la edad establecida para entrar al medio.Este chico que no se rendía ante los obstáculos que se le presentaran, siempre salio adelante y estuvo muy al pendiente de lo que pasaba; su familia distante de palabra y con hogar de renta siempre tuvo el apoyo de su hermana mayor, la única persona mas cercana. 

La primera foto que tomo fue con una cámara (de 110) de esas súper viejitas que eran así delgaditas y lo hizo solo por que su hermana le pidió que le tomara una foto a un chavo que le gustaba, y  la foto le salio movida. 

Madrugar para ir a la escuela y desvelándose por su trabajo paso  hasta los últimos días de preparatoria tiempo en el que decide  dejar el nacional por su bajo rendimiento escolar, para después incorporarse a la universidad de Sonora en la carrera de ciencias de la comunicación, estudios que concluyo hasta cuarto semestre, por falta de tiempo, para dedicación al estudio. Mientras recibía bonos extras por publicación sus fotos, diario conocía a fotógrafos  y hacia muy buenos amigos los cuales hasta la fecha  no ha perdido como Joel Montoya, Martha Lara, Alberto Blancarte y Lozano quijada; permanecer en contacto con sus amigos de mucho tiempo atrás es donde manifiesta su gran sencillez y buena voluntad. En el año de 1991 fue cuando comenzó a colaborar en el periódico el sonorense,  fue ahí donde comenzó como laboratoriasta, después siguió en  deportes, luego de policíaca, y por último director de fotografia. 

Después de estar 10 años en este periódico, hasta que el sonorense se compra por el “Universal” cambia  a ser el “Independiente”, donde continua siendo el mismo periódico pero con diferentes directivos  y de ahí hasta que lo cerraron, con mucha suerte siguió por su trayectoria en este medio, con tantas altas y bajas del periódico logro terminar su trayecto.

Trayecto en cual nunca presento  duda alguna de que el ser fotógrafo fuese un error y aunque nunca imagino que se quedaría trabajando en esto, es algo que  el disfruta mucho hacer.Aparte de hacer un labor muy interesante también es un buen conocedor de la cocina, ya que por su gran ocupación y al no tener tiempo de ir a comer a su casa cuando estudiaba, este opto por  ir a comer en las calles de la ciudad cuando le daba hambre, por lo que es un conocedor de las mejores comidas. Situación por la que se hizo muy desorganizado. 

Con gran suerte corría dentro del universal como corresponsal  por estar  consultando situaciones que ninguna otra persona podría ver en ese momento, y al mismo tiempo se encontraba publicando con el periódico regional. “Para mi esta fue la mejor etapa profesional”. 

Luego de que el universal dejara al periódico  el independiente después de la muerte de Colocio, Eleazar publicaba sus fotos en Notimex, donde paso de ser solo una publicación de texto a una publicación con imágenes. Traía en la cajuela del carro un equipo de revelado por que lo que el periódico quería era que cada uno de sus corresponsales fueran capases de revelar en el instante de la foto y enviarla por medio de un fax, algo que sin duda marco su capacidad de ser uno de los corresponsales Notimex; “esta etapa laboral fue  de mucho aprendizaje para mi vida”.Estando al mimo tiempo en el 98 estaba en Notimex y en el  Cambio,